Yuri Zlotnikov'un resimleri. Yuri Zlotnikov: “Soru sorun, eylemleri tamamlamayın. Senin için Zlotnikov nedir?

15.02.2024 | Nevralji

Yakın zamanda Yuri Zlotnikov'un "Resim - insan psikofizyolojisi analizi ve varoluşsal alanının sergilenmesi" sergisi kapandı. Retrospektif sergide 1950'ler - 2015 yılları arasında yapılmış 150'den fazla resim ve grafik eser yer aldı.

Yuri Zlotnikov, Rus soyut sanatının en parlak ve en önemli sanatçılarından biridir. 1930'da Moskova'da doğdu. Moskova Sanat Okulu'nda okudu, Bolşoy Tiyatrosu'nda stajyer dekoratör olarak çalıştı, VDNKh'de sergi tasarımıyla uğraştı ve kitap illüstratörü olarak yayınevleriyle işbirliği yaptı. Ve tüm bu zaman boyunca sanatta kendi yolunu, kendi görsel araçlar sistemini arıyordu. 1950'lerin ortalarında Zlotnikov, "Sinyal Sistemi" adı verilen bir dizi soyut grafik sayfası yarattı. Psikologlarla birlikte resimlerin gönderdiği sinyalleri insan beyninin nasıl algıladığını anlamaya çalışan deneyler yaptı.

Sanatçıyla uzun süredir iletişim halinde olan sanatçı, bu sergiyi ve Zlotnikov'u nasıl gördüğünü anlattığı kısa bir röportajı bize vermeyi kabul etti.

Akademi'deki serginin Modern Sanat Müzesi'ndeki önceki retrospektif sergiden farkı nedir?

Bu sergi, MOMMA'daki retrospektiften farklıydı; önceki sergi elbette çok daha geleneksel bir şekilde, katlara, dönemlere veya serilere bölünmüş, modern geniş bir asma sistemiyle yapılmıştı. Akademi'de mimari özelliklerden dolayı (yalnızca iki salon bulunmaktadır) ve asma işinin yazarın kendisi tarafından üstlenilmesi nedeniyle, tüm dizi ve projeler sanatçının isteği doğrultusunda bir araya getirilmiştir. Bu tamamen yeni bağlantılar yaratıyor: örneğin altmışlı yılların geleneksel suluboyaları oldukça radikal soyutlamaların yanında duruyor. Yani yazarın kafasında tüm bunların alıştığımızdan tamamen farklı bir sırayla nasıl birleştirildiğini görüyoruz. Bu, Zlotnikov'un eserlerinin bir yandan Sovyet akışkan solcu MOSH geleneğiyle, diğer yandan modern radikal Batılı sanatçı arayışıyla bağlantısını gösteren çok ilginç ve tuhaf bir etki. Bu işler karıştırıldığında bende çok beklenmedik ve yeni bir etki oluşuyor, her ne kadar bu eserlerin hemen hemen hepsini sergilerde ya da Yuri Savelyevich’in atölyesinde görmüş olsam da.

Bir sanatçının kendi kendisinin küratörü olması her zaman iyi bir şey değil midir?

Hayır, bunu söylemedim. Bu sergi belki de MOMMA'daki sergiden bile daha iyi çünkü sanatçının eserleri ve serileri arasındaki bağlantıları nasıl gördüğünü gösteriyor. Bu çok daha ilginç. Sergi daha yoğun bir hal aldı ama artık öyle takmıyorlar gibi görünüyor. Artık her eserin ayrı bir değer olduğuna inanılıyor, dolayısıyla birbirlerine müdahale etmemeleri, kesişmemeleri, birbirlerinin görüş alanını kirletmemeleri gerekiyor. İdeal olarak izleyici yalnızca tek bir parça görmelidir.

Kişisel bir sergi düzenlenirken sanatçı her şeyin yerli yerine oturmasını ister, çünkü ona öyle gelir ki tek bir eser olmazsa anlam kaybolur. Burada idamın anlamlı olduğu açık; Zlotnikov mekanı oldukça bilinçli bir şekilde sahneledi. Hiç de kötü değil ama alışılmadık bir durum. Bu, işin standart olmayan başka bir anlayışını verir. Hepimiz Zlotnikov'un radikal bir soyutlamacı olduğunu düşünmeye alışkınız ve en radikal çalışmalar ilk dönem “Sinyaller” serisidir. Her şey karışınca yazar arayışı fark edilir hale geliyor. Dairelerin ve çizgilerin hayattan işe, Balakovo Nükleer Santrali'nin inşasıyla ilgili bir tür resmine nasıl dönüştüğünü görüyoruz. Bütün bu çalışmaların birbiriyle nasıl bağlantılı olduğunu görüyoruz. Bu, sanatçının çalışmalarına taze ve yeni bir bakış açısı kazandırır. Muhtemelen bu iki sergi birbirini tamamlıyor. MMSI'de tek sıra halinde seyrek ve ferah bir şekilde asılan "Sinyaller" ile çarpıcı bir salon vardı, çok müze gibiydi, "tarihi bir görünüm" idi. Burada Zlotnikov'un kendi yansımasını gördük. Bizim için tarihin yalnızca bir parçası olan bazı ana motiflerin onun için aynı zamanda var olduğu ve hala güncelliğini koruduğu açıktır. Malevich kendi hikayesini inşa ettiği için eserlerinin tarihini değiştirdi. Malevich'in eserlerini istediği gibi asabilirsiniz ya da gerçekte oldukları gibi asabilirsiniz; her ikisi de ilginç olacaktır. Burada da durum aynı, sadece Zlotnikov elbette tarihleri değiştirmedi. Hikayesini gördüğü gibi inşa etti. Bunun “kişisel” bir hikaye olduğunu söyleyemem, burada kendini ifade etme yok. Bu sadece dışarıdan bir küratörün fark etmeyeceği tamamen farklı bağlantılar kuran başka şeylerin bir karşılaştırmasıdır. Bu benim için çok eğitici. Mesela Kültür Evi'nin tavanında onun soyutlamalarına çok benzeyen renkli panellerin olduğu bir iç mekan projesi var. Eğer farklı bir asma olsaydı bu görülmeyecekti.

Senin için Zlotnikov nedir?

Zlotnikov çok önemli bir sanatçı, plastik değerlerin sanatçısı. Bu konuyu kendisiyle sürekli tartışıyoruz. Gerçek bir modernist zihniyetine sahiptir. İkimiz de konuşmayı ve bir şeyler tartışmayı çok seviyoruz, bu nedenle telefon görüşmelerimiz bir buçuk saat sürüyor. Kendisi çok düşünceli bir insan ve ilginç bir sohbetçi; sanatım da dahil olmak üzere sıklıkla çok incelikli şeyler söylüyor.

Zlotnikov bugün ne kadar alakalı?

Alaka düzeyi değişir. Bu modernist düşünce benim için ilginç ve önemli. Onun görüşüne göre Yuri Savelyevich ile yapılan görüşmeler benim için çalışmalarından daha az önemli değil.  Ve yeni biçimcilikle uğraşan birçok genç için Zlotnikov büyük bir öncüldür. Belki onun işini farklı anlıyorlar ama kendi çizgilerini ve dairelerini çizdiklerinde ister istemez bu işi kendilerinden önce yapanlarla ilgilenmeye başlıyorlar.

1 809

Benim için Yuri Savelyevich Zlotnikov huzursuz ve son derece çelişkili bir insandı. Evet, öyle görünüyor ki herkes bunu ve 1930'da Moskova'da Yahudi bir ailede doğduğu gerçeğini biliyor. Biraz telaşlı davranış tarzına, insanlarla ilişkilerindeki keskin dönüşlere bakmak yeterliydi. Zlotnikov ilgi istedi, monologlar sundu, sözü kesilirse çılgına döndü, ama aynı zamanda kendi sözünü de kesti ve bazen bağırdı. Bir keresinde beni dövmeye çalıştı - ona işini yanlış yapmışım gibi geldi. Ben de bazen ona bağırdım.

Yuri Zlotnikov “Yuri Zlotnikov” sergisinin açılışında. Tablo. Grafik Sanatları. 1957–2013" Samara Bölge Sanat Müzesi'nde. 2013

Bir sanatçı olarak hayatı çelişkilerden oluşuyordu: VGIK'e girmesine rağmen hiçbir zaman yüksek sanat eğitimi almadı, Polygraph'ın yazışma bölümü sınavlarını geçti, ancak çalışmaya gitmedi. Falk'ı ziyaret ettim ama çalışmalarıma onunla devam etmedim. Zlotnikov aslında kendi kendini yetiştirmiş bir kişidir. Müzik okulunda okudum, resim uğruna bıraktım, Moskova Sanat Okulu'nda okurken müziği bıraktığıma pişman oldum. Onun zihniyeti felsefiydi - inançla, görerek, dokunarak hiçbir şey almadı. Herhangi bir izlenim veya olgu analiz edildi. Karşılaştırmaları yerinde, yargıları mantıklı, yaratıcı düşünme biçimi her zaman özgün ve derindi.

Zlotnikov, modern zamanların önde gelen soyutlamacılarından biri olarak kabul ediliyor - çalışmaları, Rus Müzesi sergisi "Rusya'da Soyutlama" kataloğunun ikinci cildinin toz ceketini süslüyor (ilki, Kandinsky'nin bir kompozisyonunu içeriyor). Pek çok kişi gibi figüratif çalışmalarla başlayan o, 1957'de sanatçı Slepyan'la birlikte deneyler yaparak eş zamanlı olarak soyut şeyler yarattı. İlk çalışmalarından birinin başlığı - "Geiger Sayacı" - bunun sadece bir soyutlama olmadığını söylüyor: Yuri Savelyevich, VDNKh'nin Elektrifikasyon ve Mekanizasyon Pavyonu'nda çalıştı ve adını taşıyan Elektrik Kaynak Enstitüsü'nde bir sergi düzenledi. Paton. Zlotnikov'un ilk soyutlamaları fiziksel süreçlerle ilgili çalışmalardır.

1957-1960'da bir dizi "Sinyal", tam bir "Sinyal Sistemi" yarattı - kağıt üzerinde çok renkli işaretler: uzayda yüzen iki veya üç "molekül" veya çok sayıda "yanıp sönen" daire ve şerit belli bir ritim. Batılı sanatçılardan herhangi birinin Zlotnikov'u etkileyip etkilemediği önemli değil - konsepti o buldu ya da daha doğrusu ona indi. Bazen eserin başlığı içerik ve biçimden daha önemlidir. Ve “Sinyaller” son derece uygun bir isim. Bu çalışma serisinin sadece resmi bir deney olmadığını gösterdi. Bu bir sistemdir, dünyanın yapısını, yapısını anlama çabasıdır.

Figüratife dönersek, Yuri Savelyevich kendi alışılmadık tarzını geliştirdi: resimleri ve sulu boyaları, sanki kazara tanınabilir bir biçime dönüşmüş gibi vuruşlardan, noktalardan oluşuyor ve bazen görüntü parçalanmak üzereymiş gibi görünüyor. Unsurların bu geçiciliği, aralarındaki boşluklar, Zlotnikov'un figüratif kompozisyonlarına inanılmaz bir çekicilik ve hafiflik kazandırıyor. Tanınmanın ve soyutlanmanın eşiğinde denge kuran Koktebel manzaraları ve onun İncil'deki döngüsü özellikle dikkat çekicidir.

1980'lerde Zlotnikov nihayet soyut şeylere geri dönmüş gibi görünüyor, inanılmaz bir ısrarla sonsuz soyutlamalar yaratıyor - isimlerin de belirttiği gibi hiç de rastgele değil. Bu aynı zamanda Tretyakov Galerisi'nde saklanan devasa tuval için de geçerlidir - "Malevich Meydanı'nın Antitezi". Renkli resimsel kareler koşullu bir alanda yüzüyor: Yazar avangardın "sütunlarına" karşı çıkıyor ve onları aşmaya çalışıyor.

Yuri Savelyevich bir keresinde bana şunu sordu: "Misha, "Malevich Meydanının Antitezi" adlı resmimin 11 Eylül olaylarını öngördüğünü düşünmüyor musun?"

Evet, eserleri aslında bize hiç umut bırakmıyor. Ama belki de bir sanatçının sonsuz sayıda varyasyonu fark edip yarattığında yaşadığı, bizim de eserinin -her zaman eksik olan- sonucuna baktığımızda aldığımız acı haz esastır. Zlotnikov, "Yaptığımız her şey sadece işe yarayan bir hipotez" dedi. Kendi adıma şunu ekleyeyim: Yuri Savelyevich artık aramızda değil. Moleküler parçalanma ve tahmin ettiği korkunç şeyler başına geldi.

Onlar da bizi bekliyorlar.

YORUMLAR

Zurab Tsereteli Sanat Galerisi'nin salonlarında şu adreste: st. 19 yaşındaki Prechistenka, Rusya Sanat Akademisi'nin ilgili üyesi Yuri Zlotnikov'un "Resim - insan psikofizyolojisinin bir analizi ve onun varoluşsal alanının bir yansıması" çalışmalarının yer aldığı bir sergi açılıyor.

Retrospektif sergide 1950'ler - 2015 yılları arasında yapılmış 150'den fazla resim ve grafik eser yer aldı.

1960'ların başında Zlotnikov tekrar gerçeğe döndü ve yaratıcı iş gezilerine çıktı. Kompozisyon ustalığı ve doğal renk duygusu, resimlerini ve figüratif serilerini birbirinden ayırıyor: “Vitrin”, “Şehir”, “Balakovo”. Zaten bu eserlerinde de resmin geleneksel bir yapı olarak anlaşıldığı açıkça görülüyor. Daha sonra yukarıdan görülen ve sanki uzaktan görülen çok figürlü kompozisyonlar çizdi; bu tür bir vizyon, küçük boyutlu resimlerde bile büyük bir ölçeği yansıtmasına izin verdi. 1940'ların sonlarından başlayarak Moskova konusuna birçok eser ayırdı.

1970'lerde Zlotnikov, soyut resme geri döndüğü "Koktebel" serisi üzerinde çalıştı, ancak ünlü "Sinyal Sistemi"nden farklı bir tarzda. Lirik güney manzaralarının yanında, mekanın ana rol oynadığı ve yukarıdan bir görünümün insan figürlerini ve nesnelerini çarşafın yüzeyinde renkli noktalara, çizgilere, virgüllere dönüştürerek onları doğal ortamda erittiği eserler ortaya çıkıyor.

1970'lerde - 2000'lerde, her yeni seride sanatçı, genellikle bir öncekiyle ilgisi olmayan belirli bir yaratıcılık aşamasını belirledi. “İncil döngüsü” mecazi ve alegoriktir. Oldukça tanınabilir karakterler (“Kurban”, “Yusuf'un Doğuşu”) ve renk noktalarından ve geometrik şekillerden saf soyutlama var - tüm eserler yoğun görüntülerle ve trajik bir kutsal tarih duygusuyla birleşiyor.

Sürekli deney ruhu, sanatçıyı yeni yollar aramaya zorlar. Zlotnikov, "Malevich'in Siyah Meydanının Antitezi" (1988) adlı tablosunda akılda kalıcı, enerjik vuruşlarıyla çevredeki dünyanın renk duyumlarının sonsuzluğunu aktarıyor.

1990'lı ve 2000'li yıllarda plastik deneylerine devam ederek "Uzaysal Yapılar", "Kudüs", "Uzamsal Kombinatorik", "Çok Seslilik" vb. diziler üzerinde çalışarak beklenmedik yaratıcı keşiflerle sürekli şaşırttı.

Sanat Tarihi Doktoru A. Rappaport şöyle yazıyor: “Zlotnikov, asla kimseyi taklit etmemesi, kendi yasalarını ve kalıplarını belirlemesi ve daha sonra kavramsalcılar tarafından kesin bir revizyona tabi tutulan soyut sanatın ilkelerine ihanet etmemesi açısından benzersizdir. Kavramsalcılığa karşı olması uzlaşmazlığın kanıtıdır. Zlotnikov'un kavramsal sanatla ortak noktası bilime ve felsefeye duyduğu saygıdır. Zlotnikov, avangardın tüm eğilimleri arasında nesnel olmayı ve soyutlamayı seçiyor.”

Yu.Zlotnikov'un eserleri Devlet Tretyakov Galerisi, Rusya Devlet Müzesi ve Puşkin Güzel Sanatlar Müzesi koleksiyonlarında yer almaktadır. A. S. Puşkin, Devlet Edebiyat Müzesi, Moskova Modern Sanat Müzesi, birçok Rus ve yabancı müze ve özel koleksiyonda.

Akşam geç saatlerde Myasnitskaya Caddesi ile Milyutinsky Yolu arasında dolaşırken sıkıldım. Geceleri Moskova, neon ışıklarla dolu bir şehir için inanılmaz derecede gri ve sıkıcı görünüyordu. Bir sonraki köşeyi döndüm ve... şaşkınlıktan olduğum yerde durdum: Geniş bir vitrinin arkasından birinin dikkatsiz paletinden çıkan sayısız ışık, olgun bir narın suyu gibi üzerime sıçradı. Bir an için düzensizliği ve çeşitliliğiyle dikkat çeken bu düzinelerce, yüzlerce, binlerce vuruş ve ince çizginin sadece benim için yandığına karar verdim. Mavi ve yakut ışıltısıyla büyülenen tablolardan birinin yanına nasıl geldiğimi hatırlamıyorum...

Ancak daha aklım başıma gelmeye fırsat bulamadan, "siyahlı bir adam" belirdi ve "davetiyeler" ve "özel sergi" hakkında bir şeyler söyleyerek beni dikkatlice kapıdan dışarı çıkardı. Yaratıcılıkla ilk tanışmam tam olarak böyle oldu. Yuri Zlotnikov 20. yüzyılın ikinci yarısının en seçkin Rus sanatçılarından biri ve "geleneklerin" doğrudan mirasçısı.

Yuri Savelyevich Zlotnikov, modern Rus sanatının hala güçlü bir temele dayandığı "Çözülme" döneminin ilk soyutlamacısıdır. 1950 yılında Sanat Akademisi Sanat Okulu'ndan mezun oldu ve ardından yüksek öğrenim görmeden serbest yüzmeye başladı. Yine de sanata girişi çarpıcı ve merak uyandırıcıydı: 1950'lerin sonunda kamuoyuna açıklanan ünlü Signals serisi, Avrupa geometrik soyutlama geleneklerine olan düşkünlüğü yeniden tanıttı.

Zlotnikov'un kişisel inancına göre sanat, iç yaşamımızın gerçek bir modelidir. Sanat yoluyla zihinsel aktivitemizi gerçekleştirdiğimize inanıyordu ve bu nedenle “Sinyaller” serisi üzerinde çalışırken izleyicide bedensel düzeyde etki yaratacak nesneler yaratmaya çalıştı. Sanat, adeta dokunsal ve duyusal deneyimlerin "sinyallerini" yakalar ve bunları temel geometrik sembollere ve şekillere dönüştürür. "Sinyaller" serisine ilk bakışta yazarın kesin bilimlere olan neredeyse sağlıksız ilgisini hissedebilirsiniz. Zlotnikov'a göre resimde kendi yönünü, kendi dilini yaratırken "sanatçılardan çok psikologlar, matematikçiler, mantıkçılar ile iletişim kurdu." Ve matematiği "sanatsal olarak" anladı, formüllerde ve teorilerde estetiği gördü, sibernetiğin rasyonel dünyası ile güzel sanatların irrasyonel dünyası arasında açık bir bağlantı gördü.

Ancak Yuri Zlotnikov, yalnızca soyut olarak değil, çevredeki gerçekliğe dair bu kadar radikal bir bakış açısı gösterdi. O dönemin Rus resminde benzeri olmayan otoportre serisi de daha az ünlü değil. Aniden ortaya çıkan bir ok gibi sanat dünyasına daldı ve olağanüstü cesaretiyle herkesi şaşırtarak yazarın adını tarihe yazdı. Görüntünün konusu ve performans biçimiyle ilgili her türlü tabuyu yıkan Yuri Zlotnikov, tüm dürüstlüğü ve açık sözlülüğüyle kendisini topluma tamamen çıplak gösterdi. Sanatçının yaratıcı "Ben"i bu eserlerde bir yandan tam bir güven ve bağımsızlıkla, diğer yandan kusurlu ve "yargılayıcı bakışlardan" ve kalabalığın görüşlerinden savunmasız olarak ortaya çıktı.

Otoportreler ile “İşaretler” arasındaki benzerlik, yalnızca işlerin ve motiflerin seriliğinde, çizgi ve noktaların kaosunda değil, aynı zamanda en önemlisi, işlerin konseptine yönelik araştırma yaklaşımında da kolayca fark edilebilir. yaratıcı analizin ifade ve duygulara üstünlüğü. Zlotnikov'un nihayet oluşturduğu resim tarzına dikkat etmemek imkansızdır: her çalışma, vuruşların hızı ve gücü, çılgın bir renk paleti ve boya katmanının kalınlığıdır.

1960'ların ortalarında, Zlotnikov'un çalışmalarında 1980'lerin sonuna kadar süren ve birden fazla doğrusal olmayan yaşam formunun hüküm sürdüğü, hayal edilemeyecek kompozisyon karmaşıklığıyla çağdaşları hayrete düşüren yeni bir "metaforik" çalışma dizisi ortaya çıktı. Her tuval, düzen ve kaosun, öngörülemezlik ve kaderin, geometri ve şiirin, insan ve etrafındaki dünyanın, en küçük parçacık ve tüm Evrenin bir karışımıdır. Eserlerin “metaforik niteliği” her şeyden önce çağrışımsal form oluşturma ilkelerine dayanan yeni bir ifade dilinde ortaya çıkıyor. Yuri Zlotnikov kendi dilini, etrafındaki dünyaya kendi bakış açısını yeniden yarattı: sıçrayan ve koşan, çarpışan ve ayrılan, katmanlanan ve örtüşen birçok silüet, çizgi, nokta ve vuruş aracılığıyla.

Bu çalışmalarda yazarın resmin insan düşüncesi üzerindeki etkisinin olasılığına olan ilgisinin de hissedildiğini belirtmek gerekir.

Yuri Zlotnikov, hayatının son yıllarına kadar çalışmalarında çılgın bir ritim ve tutkuyu sürdürdü. Yaş ve deneyim başkalarına huzur ve sükunetin ipucunu verdiğinde, sanki bir dakika bile durmuyor, sürekli kendini arıyor ve kendi yeteneklerini genişletiyor, biçim ve içerikle denemeler yapıyormuş gibiydi. Zlotnikov, okul yıllarında olduğu gibi yalnızca belirli bir yaratıcı paradigma çerçevesinde değil, aynı zamanda onun ötesinde de gelişti.

Kısa bir süre önce, sanatsal yetenekleri mimari ve endüstriyel tasarım tarafından başarıyla test edildi: Zlotnikov, Moskova'nın merkezindeki Golden Apple Hotel'de paneller tasarladı, bir mimarlık stüdyosu için bir okul için tasarım projesi yaptı ve ayrıca binanın tasarımı için konseptler yarattı. fabrika tesisleri. Buna ek olarak, sanatçı resim dünyası için son derece modern ve alakalı bir ifade biçimi buldu: tuval üzerine baskı yapmaya ilgi duymaya başladı ve bilimin soğuk dünyasını bir kez daha tek bir eserin sınırları içinde birleştirmesine olanak tanıyan etkileyici posterler yarattı ve sanatın yaşayan gücü.

Sizden önce bir grup kavramsalcının parçası olan Yuri Albert ile konuştum ve onlar elbette Kabakov'la diyaloğumdan pek memnun değildi. Ama sessiz kalamazdım. Kabakov, sanat okulunda okuduğu dönemin çılgınlık dönemi olduğunu, Mowgli gibi olduklarını, dallara atladıklarını, bir o kadar da vahşi olduklarını söyledi. Onunla aynı fikirde değildim. Benimle aynı okulda, sadece bir yaş küçük, Surikov Enstitüsü'ndeki sanat okulunda okudu.

1943'ten beri bu okulda okudum, ailem ve ben tahliyeden yeni döndüğümüzde buraya girdim. Bu okul ayrıcalıklıydı, savaş sonrası tüm büyük sanatçılar oradan geldi - Nikonov, Korzhev. 1950 yılında buradan mezun oldum. Kabakov öğretmenleri suçladı. Bu beni öfkelendirdi; okulda iyi öğretmenler vardı. Sergei Gerasimov'un ortağı Vasily Vasilyevich Pochitalov ile çalıştım. İyi bir sanatçı ve öğretmendi.

Ancak Kabakov, bu okulun "idealleri" aşıladığı gerçeğinden daha çok şikayet etti: hangi sanatçılar doğru, hangileri değil.

Bu doğru değil. Evet, okul ortodokstu, orada belli bir hırs vardı. Ancak orada, örneğin faşistler tarafından yok edilen Pskov resimlerini, benzersiz ikonları, Kabakov'a hiç dokunmuyor gibi görünen Rus sanatının devasa mirasını öğrendim. Görüyorsunuz, Rusya çok ilginç bir ülke. Kuzey Kutup Dairesi'ne yakınlığımız, Avrupa'ya yakınlığımız. Bütün bunlar belirli bir öz farkındalık oluşturdu. Bana öyle geliyor ki uzaya olan ilgi kanımızda var. Vernadsky ve Korolev'in elimizde olmasına şaşmamalı. Benim için heyecan verici. Tolstoy ve Dostoyevski'nin 19. yüzyılda Avrupa'yı sarsması büyüleyici. Ve Mowgli gibi olduğumuzu söylemek... Bu saçmalık. Bütün bunlar Kabakov'un bir şeyi yanlış anladığını gösteriyor.

Bu akşam Kabakov'a iki soru sormak istedim. Amerika'ya taşınmak ona ne kazandırdı? Peki sanatının dili nedir?

Geçenlerde Fotoğraf Evi'ndeki sergisine gittim. İçinde ne var? Etik ilke, içeriğin biçime üstünlüğü, her şey sosyoloji üzerine kuruludur. Sanatın dilinin kendisi araştırılmıyor. Bu akşam Kabakov'a iki soru sormak istedim. Amerika'ya taşınmak ona ne kazandırdı? Peki sanatının dili nedir? Onları azarlamak istemiyorum ama bence sosyal sanat bir tür yanlış anlama ve cehalettir. Bilirsiniz, savaştan sonra sakinlerinin neredeyse tamamen baskı altında olduğu bir evde uzun yıllar yaşadım. Kabakov'un bize anlattığı genel durumun ne olduğunu biliyorum. Benim ve sevdiklerim için bu bir trajediydi. Ve Kabakov bunu satılık sanata, metaya dönüştürüyor... Ve bu trajediyi anlamak için gündelik dile değil, tamamen farklı bir dile ihtiyacımız var.

Yuri Savelyevich, sen bu tam bir durumda yaşadın, ama diyelim ki, hiç de sosyalist gerçekçiliğin öncüsü değildin. Hava bulmayı nasıl başardınız? Mesela Batı sanatı hakkında bir şeyler öğrenmeyi nasıl başardınız? Belki okuldaki öğretmenler onun hakkında bir şeyler söylemiştir?

Hayır, bize Batı sanatı anlatılmadı. Puşkin Müzesi'nde Stalin için hediyeler asılıydı - hepsi bu. Ama bir şekilde Cezanne'ı tanıdım. Odessa'dan tanıdığım bir sanatçı bana röprodüksiyonlarını gösterdi: kopyaladı ve kartpostallara dağıttı. Yani gördüm ve çok etkilendim. Daha sonra röprodüksiyonlarını, kendisiyle ilgili materyalleri aramaya başladı ve Lenin Kütüphanesi'nde günler geçirdi. Orada istenirse Batı sanatına dair hemen hemen her şey bulunabilir.

Görüyorsunuz, sadece okulda değil okul dışında da kendimi geliştirdim. Konservatuara gittim (müziğe her zaman ilgim vardı, hatta savaştan önce bir müzik okulunda biraz piyano çalıştım ama sonra çizime ilgi duydum), Igumnov, Neuhaus'u dinledim. 1944'te Favorsky'nin atölyesine girdim - sınıf arkadaşım Derviz onun eşi Marya Vladimirovna Derviz'den olan yeğeniydi. Favorsky'nin yanı sıra ünlü heykeltıraş Ivan Semenovich Efimov ve Serov'un kuzeni Nina Yakovlevna Simonovich-Efimova'nın yaşadığı Novogireevo'daki sanatçı evinde çok zaman geçirmeye başladım. Tam bir aile ortamıydı, ona yakınlaştım, hatta Favorsky'nin cenazesine bile katıldım. Bir sanatçı ve otorite olarak Favorsky benim için çok büyük önem taşıyordu. Bu arada kavramsalcılar da Favorsky'yi takdir ediyorlardı. Bulatov, Kabakov, Vasilyev. Danışmak için yanına geldiler, ben de on yıl boyunca onunla yan yana yaşadım ve ilk anlamsız çalışmalarımı ona gösterdim.

Paşkov Evi'nin tuvaletinde de bir erkekler kulübü vardı. Orada sigara içtik ve tartıştık. Yani sanat okulunun yanında bir gelişme daha oldu, o da sizin deyiminizle “hava”ydı.

Neden herhangi bir sanat çevresiyle, ne Lianozovitlerle, ne de aynı kavramsalcılarla anlaşamadınız?

O zamanlar şimdiki kadar sanatçı yoktu. Kiminle iletişim halindeydim? Weisberg'le, biraz da Oscar Rabin'le. Ama soyut resimle uğraştığım için psikologlarla, matematikçilerle, mantıkçılarla çok daha fazla iletişim kurdum... Sinyal boyama üzerinde çalışırken, elektrokardiyogramlar ve biyoakımlar üzerinde çalışılan Botkin Hastanesi laboratuvarında çok zaman geçirdim. ; Solomon Gollenstein ve Nikolai Bernstein ile tanıştı.

Savaştan önce Moskova'da IFLI - Felsefe, Edebiyat ve Tarih Enstitüsü vardı. Savaştan önce dağıtıldı. Savaştan sonra öğrencilerinin çoğu hapse atıldı: Bir provokatör bulundu, onlara ihanet edildi ve hepsi beş yıl hapis cezasına çarptırıldı. Bazıları daha sonra ünlü bilim adamları oldu. Bu adamlardan bazıları benim yaşımdaydı. 1954'te herkesi serbest bıraktılar. Bu çevre benimdi.

Sistemin dışında, illüstrasyonlardan para kazanan, çılgın sorunlarımı çözen özgür bir insandım.

Bir arkadaş vardı - Vladimir Slepyan. Benimle sanat okulunda okudu. Daha sonra Mekanik ve Matematik Fakültesi'ne girdi, ardından sanata geri döndü. 50'li yıllarda biraz birlikte çalıştık. Kısa süre sonra çeşitli faaliyetlerde bulunduğu Fransa'ya gitti. O ve ben ilk soyutlamacılardık. Ama bunun üzerinde çok çalıştım. Kendi yönümü, kendi dilimi geliştirdim. Slepyan geniş anlamda entelektüel bir sanatçıydı, bu yüzden yollarımızı ayırdık. Ve daha sonra, ben zaten kendi dilimi geliştirdiğimde başka sanatsal gruplar ortaya çıktı.

- 1974 yılından beri Ressamlar Birliği üyesisiniz. Neden katılmaya ihtiyaç duydun?

Sosyal açıdan çok gerekliydi. Bolşoy Tiyatrosu'nda staj yaptım, orada çalıştım ve sonra serbest kaldım - farklı yazı işleri ofislerinde çalıştım. O zaman bir tür sosyal konuma sahip olmanız gerekiyordu. Boyalar, tuvaller - her şey Sanatçılar Birliği'nden satın alındı ve bir şekilde orada yer almanız gerekiyordu. Okula gitmem bana yardımcı oldu, büyükler beni tanıyordu, tek kelime ettiler. Moskova Sanatçılar Birliği'ne böyle girdim. Ama oradaki durumum pek de iyi değildi: Çalışmalarımı her zaman alıyorlardı ama neredeyse hiç sergilemiyorlardı. Duygu pek de rahat değildi ve Moskova Sanatçılar Birliği'nin tam teşekküllü bir üyesi değildim.

- Sergilemenin başka yollarını bulmayı başardınız mı?

İnsanlar beni tanıyordu, dolayısıyla çok fazla olmasa da spontane sergiler açıldı. Kuznetsky hakkında, daha az sıklıkla Sanatçılar Evi'nde, daha çok tamamen spontane çeşitli akşamlarda sergiler düzenlendi. Sonra bir şekilde Batı bizi öğrendi, Batılılar buraya geldi ve en azından eser almaya başladılar.

Sanattaki çizgim anlamsal-bilimsel niteliktedir; resmin insan düşüncesi üzerindeki etkisinin olanaklarını araştırdım. Bütün bunlar kaderimi daha da yalnızlaştırdı, kendi çevreme sahip olamadım.

Öğretmenlik çalışmalarım bende de bir rahatlık yarattı: 1961'de Öncüler Sarayı'na girdim, orada bir atölyem vardı. Tam bu sırada arkadaşlarım yurt dışına gitmeye başladı ve bu benim için çok acı vericiydi. 18 yıl Öncüler Sarayı'nda çalıştım. Çok ilgimi çekti, güzel sanatlarda farklı mizaçların nasıl kendini gösterdiğini orada gördüm. Ama aynı zamanda stüdyoma da saldırılar oldu, adamlarıma karşı misillemeler yapıldı. Sarayda bir sergi var, bütün erkekler ödüllendiriliyor ama benimki yok. Tabii ki onlar adına çok üzüldüm. Elbette fizikçi Pyotr Leonidovich Kapitsa'yı tanıyorsunuz. Fiziksel Sorunlar Enstitüsü Öncüler Sarayı'ndan çok uzakta değildi ve o ve eşi Anna Alekseevna Krylova sık sık oraya gidip "Zlotnikov stüdyosunu" izlediler. Bu beni memnun etti, her zaman adamlarımın yanında oldum. Öncüler Sarayı'nda iyi bir müdür vardı, Halk Eğitim Komiserliği'nin önünde beni savundu. Bu yüzden kaldırılmadım.

- Pek çok arkadaşınızın yurt dışına gittiğini söylüyorsunuz. Neden kaldın?

Öncelikle babam büyük bir mühendisti, ona kötü tuzak kurardım. İkincisi, bunu hayal edemiyordum. Benim için “ayrılmak” başka bir gezegene gitmek anlamına geliyordu. Üçüncüsü, adamlarıma karşı sorumluluğum vardı. Onlardan ayrılmaktan korkuyordum. Görüyorsunuz, çocuklar sorumluluktur, belli bir yaşta, küçükken güzel resim yaparlar. Doğaçlama yapıyorlar. Daha sonra üç boyutlu uzayı görmeye başladıklarında daralmaya başlarlar. Yöntemin öğretilmesi gerekiyordu. Çalışmada en önemli şeyin süreç olduğunu, her şeyin işe yarayan bir hipotez olarak ele alınması gerektiğini, sanatın dünyayı anlama yöntemlerinden biri olduğunu anlatmak gerekiyordu. Küçük adamlar düşünmeye, düşünme sürecine dahil olmaya başladılar. Bu benim için çok önemliydi.

Ayrıca burada hiç kimse beni yaptığım şeyden alıkoymadı. Kendime çılgın zorluklar koyabilir ve bunları çözebilirdim. Biliyorsunuz “Kremlin Çanları” filminde Yahudi bir saatçi olan bir kahraman var ve kendi kendine şöyle diyordu: “Ben sistemin dışında yalnız bir zanaatkarım.” Kendim için de şunu söyleyebilirim: Özgür bir insandım, sistemin dışındaydım, illüstrasyonlardan para kazanıyordum, çılgın sorunlarımı çözüyordum.

Biliyorsunuz sevgili Şostakoviç, yaralanmaların ve depresyonun onu sanattan uzaklaştırmadığını, tam tersine ek bir dürtü olduğunu söyledi. Benim için de aynısı. Ayrıca insanların kötü durumdaki bir ülkeyi terk etmeyeceğini düşünüyorum.