Pinturas de Yuri Zlotnikov. Yuri Zlotnikov: “Faça perguntas e não conclua ações. O que Zlotnikov é para você?

15.02.2024 | Neuralgia

Recentemente, foi encerrada a exposição de Yuri Zlotnikov “Pintura - análise da psicofisiologia humana e exposição do seu espaço existencial”. A exposição retrospectiva incluiu mais de 150 pinturas e obras gráficas criadas entre as décadas de 1950 e 2015.

Yuri Zlotnikov é um dos artistas mais brilhantes e significativos da arte abstrata russa. Ele nasceu em 1930 em Moscou. Ele estudou na Escola de Arte de Moscou, trabalhou como decorador estagiário no Teatro Bolshoi, trabalhou como designer de exposições na VDNKh e colaborou com editoras como ilustrador de livros. E todo esse tempo ele buscou seu próprio caminho na arte, seu próprio sistema de meios visuais. Em meados da década de 1950, Zlotnikov criou uma série de folhas gráficas abstratas chamadas "Sistema de Sinais". Junto com psicólogos, ele realizou experimentos tentando entender como o cérebro humano percebe os sinais enviados pelas pinturas.

Que já se comunica há muito tempo com o artista, concordou em nos conceder uma breve entrevista na qual falou sobre esta exposição e como vê Zlotnikov.

Em que difere a exposição na Academia da retrospectiva anterior no Museu de Arte Moderna?

Esta exposição diferenciou-se da retrospectiva do MOMMA porque a exposição anterior, claro, foi feita de forma muito mais convencional, dividida por andares, por períodos ou séries, com tapeçarias modernas e espaçosas. Na Academia, por características arquitetónicas (são apenas duas salas) e pelo facto de o próprio autor ter sido responsável pela enforcamento, todas as séries e projetos foram misturados de acordo com a vontade do artista. Isto cria conexões completamente novas: por exemplo, aquarelas tradicionais dos anos 60 ficam ao lado de abstrações bastante radicais. Ou seja, vemos como na cabeça do autor tudo isso se combina em uma ordem completamente diferente da que estamos acostumados. Este é um efeito muito interessante e estranho, que mostra a ligação das obras de Zlotnikov, por um lado, com a fluida tradição MOSH esquerdista soviética e, por outro lado, com a procura de artistas ocidentais radicais modernos. Quando essas obras são misturadas, cria-se para mim um efeito muito inesperado e novo, embora eu tenha visto quase todas essas obras em exposições ou na oficina de Yuri Savelyevich.

Não é sempre bom quando um artista é seu próprio curador?

Não, eu não disse isso. Esta exposição talvez seja ainda melhor que a do MOMMA porque mostra como o próprio artista vê as conexões entre suas obras e séries. Isso é muito mais interessante. A exposição acabou por ser mais concentrada, embora pareça que agora não a penduram assim. Agora acredita-se que cada obra tem um valor distinto, por isso é necessário que não interfiram entre si, não se cruzem ou poluam o campo visual um do outro. O ideal é que o espectador veja apenas uma peça.

Quando se realiza uma exposição pessoal, o artista quer que tudo se encaixe, porque lhe parece que sem uma obra o sentido se perde. Aqui fica claro que o enforcamento foi significativo; Não é nada ruim, mas é incomum. Isso dá alguma outra compreensão não padronizada do trabalho. Estamos todos acostumados a pensar que Zlotnikov é um abstracionista radical, e as obras mais radicais são as primeiras séries “Signals”. Quando tudo se mistura, a busca pelo autor torna-se perceptível. Vemos como círculos e listras se transformam em obra da vida, em uma imagem de gênero sobre a construção da Usina Nuclear de Balakovo. Vemos como todas essas obras estão interligadas. Isso dá uma perspectiva nova e fresca sobre o trabalho do artista. Provavelmente estas duas exposições se complementam. No MMSI havia um salão deslumbrante com “Sinais”, onde eles ficavam pendurados de forma esparsa e espaçosa em uma fileira, era muito parecido com um museu, era um “aspecto histórico”. Aqui vimos a autorreflexão de Zlotnikov. É claro que alguns leitmotifs, que para nós são apenas parte da história, existem para ele ao mesmo tempo e ainda são relevantes. Malevich mudou a datação de suas obras porque estava construindo sua própria história. Você pode pendurar as obras de Malevich do jeito que ele queria ou pode pendurá-las como realmente eram – ambas serão interessantes. É a mesma coisa aqui, só que Zlotnikov, é claro, não alterou as datas. Ele construiu sua história como ele a vê. Eu não diria que esta é uma história “pessoal”, não há autoexpressão aqui. Isto é simplesmente uma comparação de outras coisas, construindo conexões completamente diferentes que um curador externo não notará. Isso é muito educativo para mim. Por exemplo, há um projeto de interiores para a Casa da Cultura com alguns painéis coloridos no teto, muito parecidos com suas abstrações. Isso não seria visível se houvesse um layout diferente.

O que Zlotnikov é para você?

Zlotnikov é um artista muito importante, um artista de valores plásticos. Discutimos isso com ele constantemente. Ele tem a mentalidade de um verdadeiro modernista. Nós dois adoramos conversar e discutir alguma coisa, então nossas conversas telefônicas duram uma hora e meia. Ele é uma pessoa muito reflexiva e um conversador interessante; costuma dizer coisas muito sutis, inclusive sobre minha arte.

Quão relevante é Zlotnikov hoje?

A relevância varia. Esse pensamento modernista é interessante e importante para mim. As conversas com Yuri Savelyevich, na opinião dele, não são menos importantes para mim do que seu trabalho.  E para muitos jovens engajados no novo formalismo, Zlotnikov é um grande antecessor. Talvez eles entendam o seu trabalho de forma diferente, mas quando desenham as suas próprias listras e círculos, inevitavelmente se interessam por aqueles que o fizeram antes deles.

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Para mim, Yuri Savelyevich Zlotnikov era uma pessoa inquieta e extremamente contraditória. Sim, parece que todos sabem disso, assim como o fato de ele ter nascido em 1930 em Moscou em uma família judia. Bastava observar seu comportamento um tanto exigente, as reviravoltas em seu relacionamento com as pessoas. Zlotnikov exigia atenção, fazia monólogos, enlouquecia se era interrompido, mas também se interrompia e às vezes gritava. Uma vez ele tentou me bater - pareceu-lhe que eu havia pendurado seu trabalho de maneira errada. Eu também gritei com ele às vezes.

Yuri Zlotnikov na abertura da exposição “Yuri Zlotnikov. Pintura. Artes gráficas. 1957–2013" no Museu Regional de Arte de Samara. 2013

A sua vida de artista consistiu em contradições: nunca recebeu o ensino superior artístico, embora tenha ingressado no VGIK, passou nos exames do departamento de correspondência do Polígrafo, mas não foi estudar. Visitei Falk, mas não continuei meus estudos com ele. Zlotnikov é na verdade um autodidata. Estudei em uma escola de música, deixei para desenhar, enquanto estudava na Escola de Arte de Moscou, me arrependi de ter deixado a música. Sua mentalidade era filosófica - ele não aceitava nada pela fé, pela visão, pelo tato. Qualquer impressão ou fenômeno foi analisado. Suas comparações eram precisas, seus julgamentos eram lógicos, seu modo imaginativo de pensar era sempre original e profundo.

Zlotnikov é considerado um dos principais abstracionistas dos tempos modernos - sua obra adorna a sobrecapa do segundo volume do catálogo da exposição “Abstração na Rússia” do Museu Russo (o primeiro contém uma composição de Kandinsky). Tendo começado, como muitos, com obras figurativas, em 1957 criou simultaneamente coisas abstratas, experimentando em conjunto com o artista Slepyan. O título de um de seus primeiros trabalhos - “Contador Geiger” - diz que não se trata apenas de uma abstração: Yuri Savelyevich trabalhou no Pavilhão de Eletrificação e Mecanização de VDNKh, realizou uma exposição no Instituto de Soldagem Elétrica que leva seu nome. Patón. As primeiras abstrações de Zlotnikov são estudos de processos físicos.

Em 1957-1960, ele criou uma série de “Sinais”, um “Sistema de Sinais” inteiro - sinais multicoloridos em folhas de papel: duas ou três “moléculas” flutuando no espaço, ou muitos círculos e listras “piscando” que mantêm um certo ritmo. Não importa se algum dos artistas ocidentais influenciou Zlotnikov - foi ele quem criou o conceito, ou melhor, este caiu sobre ele. O título do trabalho às vezes é mais importante que o conteúdo e a forma. E “Signals” é um nome extremamente adequado. Mostrou que a série de trabalhos não é apenas um experimento formal. Este é um sistema, uma tentativa de compreender a estrutura, a estrutura do mundo.

Voltando ao figurativo, Yuri Savelyevich desenvolveu seu próprio estilo inusitado: suas pinturas e aquarelas são compostas de traços, manchas, como se acidentalmente formadas em uma forma reconhecível, e às vezes parece que a imagem está prestes a desmoronar. Essa efemeridade da coesão dos elementos, os vazios entre eles conferem às composições figurativas de Zlotnikov incrível atratividade e leveza. Particularmente notáveis são as paisagens de Koktebel, equilibrando-se à beira do reconhecimento e da abstração, e seu ciclo bíblico.

Na década de 1980, Zlotnikov parece ter finalmente retornado às coisas abstratas, criando infinitas abstrações com incrível persistência - nada aleatória, como os nomes sugerem. Isto também se aplica à enorme tela armazenada na Galeria Tretyakov - “Antítese à Praça Malevich”. Quadrados pictóricos coloridos flutuam num espaço condicional: o autor se opõe aos “pilares” da vanguarda, tentando superá-los.

Yuri Savelyevich uma vez me perguntou: “Misha, você não acha que minha pintura “Antítese da Praça de Malevich” prevê os acontecimentos de 11 de setembro?”

Sim, as suas obras essencialmente não nos deixam esperança. Mas, talvez, o prazer amargo que um artista experimenta ao perceber e criar uma infinidade de variações, e que experimentamos ao olhar o resultado - sempre incompleto - de sua obra, seja o principal. “Tudo o que fazemos é apenas uma hipótese de trabalho”, disse Zlotnikov. Acrescentarei em meu próprio nome: Yuri Savelyevich não está mais entre nós. A desintegração molecular e as coisas terríveis que ele previu aconteceram com ele.

Eles também estão esperando por nós.

COMENTÁRIOS

Nos corredores da Galeria de Arte Zurab Tsereteli no endereço: st. Prechistenka, 19 anos, é inaugurada uma exposição de obras do membro correspondente da Academia Russa de Artes Yuri Zlotnikov “Pintura - uma análise da psicofisiologia humana e uma reflexão de seu espaço existencial”.

A exposição retrospectiva incluiu mais de 150 pinturas e obras gráficas criadas nas décadas de 1950 a 2015.

No início da década de 1960, Zlotnikov voltou-se novamente para a realidade e fez viagens de negócios criativas. O domínio da composição e um sentido natural da cor distinguem as suas pinturas e séries figurativas: “Showcase”, “City”, “Balakovo”. Já nessas obras fica evidente sua compreensão da pintura como uma construção convencional. E depois pintou composições multifiguradas, vistas de cima e como se estivessem à distância, tal visão lhe permitiu transmitir uma grande escala mesmo em pinturas de pequeno porte; Ele dedicou muitos trabalhos, a partir do final da década de 1940, ao tema Moscou.

Na década de 1970, Zlotnikov trabalhou na série “Koktebel”, na qual regressou à pintura abstrata, mas num estilo diferente do famoso “Sistema de Sinais”. Ao lado das paisagens líricas do sul, surgem obras onde o espaço desempenha o papel principal, e uma vista de cima transforma figuras e objetos humanos em manchas coloridas, linhas, vírgulas na superfície da folha, dissolvendo-as no ambiente natural.

Nas décadas de 1970-2000, a cada nova série o artista designava um determinado estágio de criatividade, muitas vezes sem relação com o anterior. O “ciclo bíblico” é metafórico e alegórico. Existem personagens bastante reconhecíveis (“Sacrifício”, “Nascimento de José”) e pura abstração de manchas coloridas e formas geométricas - todas as obras são unidas por imagens intensas, um sentido trágico de história sagrada.

O espírito constante de experimentação obriga o artista a buscar novos caminhos. Na pintura “Antítese ao Quadrado Preto de Malevich” (1988), Zlotnikov, com seus traços cativantes e energéticos, transmite a infinidade de sensações coloridas do mundo circundante.

Nas décadas de 1990-2000, deu continuidade às suas experiências plásticas, trabalhando nas séries: “Construções Espaciais”, “Jerusalém”, “Combinatória Espacial”, “Polifonia”, etc., surpreendendo constantemente com descobertas criativas inesperadas.

O Doutor em História da Arte A. Rappaport escreve: “Zlotnikov é o único que nunca imitou ninguém, estabeleceu suas próprias leis e padrões e não traiu os princípios da arte abstrata, que mais tarde foram submetidos a uma revisão decisiva pelos conceitualistas. Sua oposição ao conceitualismo é evidência de intransigência. O que Zlotnikov tem em comum com a arte conceitual é o respeito pela ciência e pela filosofia. De todas as direções da vanguarda, Zlotnikov escolhe a não-objetividade e a abstração.”

As obras de Yu. Zlotnikov estão nas coleções da Galeria Estatal Tretyakov, do Museu Estatal Russo e do Museu Pushkin de Belas Artes. A. S. Pushkin, Museu Literário do Estado, Museu de Arte Moderna de Moscou, em muitos museus russos e estrangeiros e coleções particulares.

Tarde da noite, vagando entre a rua Myasnitskaya e a rua Milyutinsky, fiquei entediado. A noite de Moscou parecia incrivelmente cinzenta e monótona para uma cidade cheia de luzes neon. Virei na próxima esquina e fiquei paralisado de surpresa: por trás de uma ampla vitrine, uma miríade de luzes da paleta descuidada de alguém espirrou em mim como o suco de uma romã madura. Por um momento decidi que essas dezenas, centenas, milhares de traços e linhas finas, marcantes em sua desordem e diversidade, queimavam apenas por mim. Não me lembro como acabei perto de uma das pinturas, hipnotizada pelo seu brilho azul e rubi...

No entanto, antes que eu tivesse tempo de recobrar o juízo, um “homem de preto” apareceu e me acompanhou cuidadosamente porta afora, dizendo algo sobre “convites” e “exposição privada”. Foi exatamente assim que aconteceu meu primeiro contato com a criatividade. Iuri Zlotnikov, um dos mais destacados artistas russos da segunda metade do século XX e herdeiro direto das “tradições” e.

Yuri Savelyevich Zlotnikov é o primeiro abstracionista do período “Degelo”, em cujo trabalho, como sobre uma base sólida, a arte russa moderna ainda se baseia. Em 1950, formou-se na escola de artes da Academia de Artes, após o que ingressou na natação gratuita sem concluir o ensino superior. No entanto, a sua entrada na arte foi marcante e convincente: a sua famosa série Signals, lançada ao público no final da década de 1950, reintroduziu a tendenciosidade nas tradições da abstração geométrica europeia.

De acordo com a convicção pessoal de Zlotnikov, a arte é um modelo literal da nossa vida interior. Ele acreditava que através da arte realizamos nossa atividade mental, portanto, ao trabalhar na série “Sinais”, procurou criar objetos que produzissem um efeito no espectador no nível corporal. A arte, por assim dizer, capta “sinais” de experiências táteis e sensoriais e os transforma em símbolos e figuras geométricas elementares. À primeira vista da série de obras “Sinais”, pode-se sentir o interesse quase doentio do autor pelas ciências exatas. Segundo Zlotnikov, ao criar sua própria direção, sua própria linguagem na pintura, ele “se comunicava muito mais com psicólogos, matemáticos, lógicos do que com artistas”. E compreendeu a matemática “artisticamente”, vendo a estética em fórmulas e teorias, vendo uma ligação clara entre o mundo racional da cibernética e o mundo irracional das belas-artes.

Mas Yuri Zlotnikov mostrou uma visão tão radical da realidade circundante, não apenas de forma abstrata. Não menos famosa é sua série de autorretratos, que não têm análogos na pintura russa da época. Como um raio vindo do nada, ela irrompeu no mundo da arte e escreveu o nome do autor na história, impressionando a todos com sua audácia excepcional. Quebrando todo tipo de tabus quanto ao tema da imagem e à forma de atuação, Yuri Zlotnikov, com toda honestidade e franqueza, mostrou-se completamente nu diante da sociedade. O “eu” criativo do artista apareceu nestas obras, por um lado, com toda a confiança e independência, por outro lado, imperfeição e indefesa face aos “olhares de julgamento” e às opiniões da multidão.

A semelhança entre autorretratos e “Sinais” é facilmente perceptível, manifestando-se não só na serialidade das obras e dos motivos e no caos das linhas e manchas, mas também, sobretudo, na abordagem de investigação do próprio conceito das obras, a predominância da análise criativa sobre a expressão e as emoções. É impossível não prestar atenção ao estilo de pintura finalmente formado de Zlotnikov: cada obra é uma rapidez e força de traços, uma paleta de cores maluca e a espessura da camada de tinta.

Em meados da década de 1960, uma nova série “metafórica” de obras surgiu na obra de Zlotnikov, que durou até o final da década de 1980 e surpreendeu os contemporâneos com sua inimaginável complexidade de composição, onde reinavam múltiplas formas vivas não lineares. Cada tela é uma mistura de ordem e caos, imprevisibilidade e destino, geometria e poesia, o homem e o mundo ao redor, a menor partícula e todo o Universo. A “qualidade metafórica” das obras manifesta-se, antes de mais, numa nova linguagem expressiva baseada nos princípios da construção associativa da forma. Yuri Zlotnikov recriou a sua própria linguagem, a sua própria forma de ver o mundo à sua volta: através de muitas silhuetas, linhas, pontos e traços que saltam e correm, colidem e divergem, sobrepõem-se e sobrepõem-se.

Note-se que nestas obras também se sente o interesse do autor pela possibilidade da influência da pintura no pensamento humano.

Até os últimos anos de sua vida, Yuri Zlotnikov manteve um ritmo frenético e uma paixão em seu trabalho. Quando a idade e a experiência sugeriam paz e tranquilidade aos outros, era como se ele não parasse um minuto, buscando constantemente a si mesmo e expandindo suas próprias capacidades, experimentando forma e conteúdo. Como nos anos escolares, Zlotnikov desenvolveu-se não apenas dentro da estrutura de um paradigma criativo específico, mas também além dele.

Não muito tempo atrás, suas habilidades artísticas foram testadas com sucesso pela arquitetura e design industrial: Zlotnikov projetou painéis no Golden Apple Hotel, no centro de Moscou, fez um projeto de design para uma escola para um estúdio de arquitetura e também criou conceitos para o design de instalações da fábrica. Além disso, o artista encontrou uma forma de expressão extremamente moderna e relevante para o mundo da pintura: interessou-se pela impressão em tela e criou cartazes expressivos que lhe permitiram mais uma vez combinar dentro dos limites de uma obra o mundo frio da ciência e o poder vivo da arte.

Antes de você conversei com Yuri Albert, que faz parte de um grupo de conceitualistas, e eles, claro, não ficaram muito satisfeitos com meu diálogo com Kabakov. Mas não pude ficar em silêncio. Kabakov disse que a época em que estudou na escola de artes foi uma época de selvageria, que eles eram como Mowgli, que pulavam nos galhos, eram igualmente selvagens. Eu não poderia concordar com ele. Ele estudou na mesma escola que eu, apenas um ano mais novo - na escola de artes do Instituto Surikov.

Estudei nesta escola desde 1943, entrei quando meus pais e eu acabamos de voltar da evacuação. Esta escola foi privilegiada, todos os principais artistas do pós-guerra vieram dela - Nikonov, Korzhev. Eu me formei em 1950. Kabakov culpou os professores. Isso me indignou; havia bons professores na escola. Estudei com Vasily Vasilyevich Pochitalov, que era associado de Sergei Gerasimov. Ele era um bom artista e professor.

Mas Kabakov reclamou mais do fato de esta escola ter incutido “ideais”: quais artistas estão corretos e quais não estão.

Não é verdade. Sim, a escola era ortodoxa, havia ali uma certa ambição. Mas foi lá que aprendi, por exemplo, sobre as pinturas de Pskov destruídas pelos fascistas, sobre ícones únicos, sobre o enorme patrimônio da arte russa, que parecia não tocar Kabakov em nada. Veja, a Rússia é um país muito interessante. A nossa proximidade com o Círculo Polar Ártico, a proximidade com a Europa. Tudo isso formou uma certa autoconsciência. Parece-me que o interesse pelo espaço está no nosso sangue. Não é à toa que tivemos Vernadsky e Korolev. É emocionante para mim. É fascinante que Tolstoi e Dostoiévski tenham abalado a Europa no século XIX. E dizer que éramos como Mowgli... Isso é besteira. Tudo isso sugere que Kabakov entendeu mal alguma coisa.

Esta noite eu queria fazer duas perguntas a Kabakov. O que a mudança para a América lhe proporcionou? E qual é a linguagem de sua arte?

Recentemente fui à exposição dele na Casa da Fotografia. O que há nele? O princípio ético, o predomínio do conteúdo sobre a forma, tudo se baseia na sociologia. Não há exploração da linguagem da arte em si. Esta noite eu queria fazer duas perguntas a Kabakov. O que a mudança para a América lhe proporcionou? E qual é a linguagem de sua arte? Não quero repreendê-los, mas, na minha opinião, a arte social é uma certa forma de incompreensão e ignorância. Você sabe, morei muitos anos em uma casa cujos moradores foram quase completamente reprimidos depois da guerra. Eu sei qual é o estado total de que nos fala Kabakov. Para mim e para meus entes queridos foi uma tragédia. E Kabakov transforma isso em arte à venda, em mercadoria... E para compreender esta tragédia, precisamos de uma linguagem completamente diferente, não de uma linguagem cotidiana.

Yuri Savelyevich, você viveu neste estado total, mas não estava, digamos, na vanguarda do realismo socialista. Como você conseguiu encontrar ar? Como você conseguiu, por exemplo, aprender algo sobre arte ocidental? Talvez os professores da escola tenham dito algo sobre ele?

Não, não nos falaram sobre a arte ocidental. Havia presentes para Stalin pendurados no Museu Pushkin - só isso. Mas de alguma forma reconheci Cézanne. Um artista que conheço de Odessa me mostrou reproduções: copiou e distribuiu em cartões postais. Então eu vi e fiquei muito impressionado. Depois começou a procurar suas reproduções, materiais sobre ele, e passou dias na Biblioteca Lenin. Lá, se desejado, era possível encontrar quase tudo sobre arte ocidental.

Veja, eu me desenvolvi não só na escola, mas também fora dela. Fui para o conservatório (sempre gostei de música, até estudei um pouco de piano numa escola de música antes da guerra, mas depois me senti atraído pelo desenho), ouvia Igumnov, Neuhaus. Em 1944, acabei na oficina de Favorsky - meu colega de classe Derviz era sobrinho de sua esposa, Marya Vladimirovna Derviz. Comecei a passar muito tempo na casa dos artistas em Novogireevo, onde, além de Favorsky, moravam o famoso escultor Ivan Semenovich Efimov e a prima de Serov, Nina Yakovlevna Simonovich-Efimova. Era um círculo muito familiar, me aproximei dele, a ponto de até participar do funeral do Favorsky. Favorsky como artista, como autoridade, foi de enorme importância para mim. Os conceitualistas, aliás, também apreciavam Favorsky. Bulatov, Kabakov, Vasiliev. Eles vieram até ele para consultas, e eu morei lado a lado com ele por uma década inteira e mostrei a ele meus primeiros trabalhos inúteis.

Havia também um clube masculino no banheiro da Casa Pashkov. Fumamos lá e discutimos. Então, além da escola de artes, teve outro desenvolvimento, foi “ar”, como você diz.

Por que você acabou não se dando bem com nenhum dos meios artísticos – nem com os Lianozovitas, nem com os mesmos conceitualistas?

Não havia tantos artistas naquela época como há agora. Com quem mantive contato? Com Weisberg, um pouco com Oscar Rabin. Mas como me dediquei à pintura abstrata, me comuniquei muito mais com psicólogos, matemáticos, lógicos... Quando trabalhava na pintura de sinais, passei muito tempo no laboratório do Hospital Botkin, onde estudavam eletrocardiogramas e biocorrentes ; conheceu Solomon Gollenstein, Nikolai Bernstein.

Antes da guerra, existia o IFLI - Instituto de Filosofia, Literatura e História de Moscou. Foi dissolvido antes da guerra. Muitos de seus alunos foram presos depois da guerra: algum provocador foi encontrado, traiu-os e todos deram cinco anos. Alguns deles mais tarde se tornaram cientistas famosos. Alguns desses caras tinham a minha idade. Eles libertaram todos em 1954. Este círculo era meu.

Eu era uma pessoa livre, fora do sistema, ganhando dinheiro com ilustrações e resolvendo meus problemas malucos.

Havia um amigo - Vladimir Slepyan. Ele estudou comigo na escola de artes. Depois ingressou na Faculdade de Mecânica e Matemática, depois voltou às artes. Trabalhamos um pouco juntos na década de 50. Logo partiu para a França, onde exerceu diversas atividades. Ele e eu fomos os primeiros abstracionistas. Mas eu trabalhei muito nisso. Desenvolvi minha própria direção, minha própria linguagem. Slepyan era um artista intelectual num sentido mais amplo, e é por isso que nos separamos. E outros grupos artísticos surgiram mais tarde, quando eu já tinha desenvolvido uma linguagem própria.

- Você é membro do Sindicato dos Artistas desde 1974. Por que você precisou participar?

Socialmente era muito necessário. Fiz estágio no Teatro Bolshoi, trabalhei lá e depois fui de graça - trabalhei em diversas redações. Então você tinha que ter algum tipo de posição social. Tintas, telas - tudo era comprado no Sindicato dos Artistas, e era preciso de alguma forma se estabelecer lá. Me ajudou o fato de eu ir para a escola, os alunos mais velhos me conheciam, eles deram uma palavra. Foi assim que acabei no Sindicato dos Artistas de Moscou. Mas a minha situação lá não era das melhores: sempre levavam meu trabalho, mas quase nunca expunham. A sensação não era totalmente confortável e eu não era um membro de pleno direito do Sindicato dos Artistas de Moscou.

- Você conseguiu encontrar alguma outra forma de expor?

As pessoas me conheciam, então houve algumas exposições espontâneas, embora, claro, não muitas. Houve exposições sobre Kuznetsky, menos frequentemente na Casa dos Artistas, mais frequentemente em várias noites completamente espontâneas. Aí de alguma forma o Ocidente descobriu sobre nós, os ocidentais apareceram aqui e, pelo menos, começaram a comprar obras.

Minha linha artística é de natureza semântico-científica; explorei as possibilidades de influência da pintura no pensamento humano. Tudo isso tornou meu destino mais solitário, não pude ter meu próprio círculo.

Meu trabalho docente também me criou uma sensação de conforto: em 1961 entrei no Palácio dos Pioneiros, lá tinha um ateliê. Justamente nessa época meus amigos começaram a viajar para o exterior, o que foi muito doloroso para mim. Trabalhei no Palácio dos Pioneiros durante 18 anos. Foi muito interessante para mim, vi ali como diferentes temperamentos se manifestam nas artes plásticas. Mas também houve ataques ao meu estúdio, represálias contra os meus rapazes. Tem uma exposição no palácio, todos os caras são premiados, mas os meus não. Claro, senti muita pena deles. Você, claro, conhece o físico Pyotr Leonidovich Kapitsa. Seu Instituto de Problemas Físicos não ficava longe do Palácio dos Pioneiros, e ele e sua esposa, Anna Alekseevna Krylova, iam lá com frequência e assistiam ao “estúdio Zlotnikov”. Fiquei satisfeito com isso, sempre torci pela minha galera. Tinha uma boa diretora no Palácio dos Pioneiros, ela me defendeu diante do Comissariado do Povo para a Educação. É por isso que não fui removido.

- Você diz que muitos dos seus amigos foram para o exterior. Por que você ficou?

Em primeiro lugar, meu pai era um grande engenheiro, eu o teria preparado mal. Em segundo lugar, eu não conseguia imaginar isso. “Partir” para mim significava partir para outro planeta. Em terceiro lugar, eu era responsável pelos meus rapazes. Eu estava com medo de deixá-los. Veja bem, as crianças são uma responsabilidade, elas desenham bem em uma certa idade, quando são pequenas. Eles improvisam. Então, quando começam a ver o espaço tridimensional, começam a se contrair. Eles tiveram que aprender o método. Era preciso dizer que o mais importante no trabalho é o processo, que tudo deve ser tratado como hipótese de trabalho, que a arte é um dos métodos de compreensão do mundo. Os pequeninos começaram a pensar, a se envolver no processo de pensamento. Isso foi muito importante para mim.

Além disso, ninguém aqui me impediu de fazer o que estava fazendo. Eu poderia me propor desafios malucos e resolvê-los. Você sabe, no filme “Kremlin Chimes” há um herói, um relojoeiro judeu, que disse para si mesmo: “Sou um artesão solitário fora do sistema”. Também posso dizer o seguinte sobre mim: era uma pessoa livre, fora do sistema, ganhava dinheiro com ilustrações e resolvia meus problemas malucos.

Você sabe, meu amado Shostakovich disse que os ferimentos e a depressão não o afastaram da arte, mas, pelo contrário, foram um impulso adicional. O mesmo para mim. E também acho que as pessoas não saem de um país que está em má situação.