Où se trouve la sculpture araignée Giacometti ? Alberto Giacometti : biographie, créativité et faits intéressants. Les œuvres d'Alberto Giacometti battent des records de ventes aux enchères
Alors qu’il voyageait en Italie, à l’âge de 19 ans, son jeune compagnon décède subitement sous les yeux d’Alberto. Depuis lors, les pensées sur la fragilité de la vie et l'inévitabilité de la mort n'ont pas quitté Giacometti. Après cet incident, il a dormi uniquement avec la lumière allumée.
Début de la biographie
Alberto Giacometti est né le 10 octobre 1901 (décédé le 11 janvier 1966). Sa patrie est le petit village de Borgonovo dans la commune alors existante de Stampa, la partie italophone de la Suisse.
Giovanni et Annetta Giacometti, 1925-1931
Il était l'aîné des quatre enfants du peintre suisse Giovanni Giacometti (1868-1933) et d'Annetta Giacometti-Stampa (1871-1964). Trois frères ont grandi dans un environnement créatif et ont ensuite tous lié leur vie à l'art. Diego Giacometti (1902-1985) devient designer et sculpteur. Bruno Giacometti (1907-2012) - architecte. Il était l'un des architectes les plus célèbres de Suisse après la Seconde Guerre mondiale. Bruno a vécu très longtemps et est décédé à l'âge de 105 ans. Leur sœur Ottilie est décédée après avoir donné naissance à leur fils à l'âge de 33 ans.
Famille. Giovanni et Annetta Giacometti avec leurs enfants.
Le parcours créatif d'Alberto Giacometti
Alberto Giacometti s'est avéré être le plus doué des enfants. Depuis son enfance, il aimait dessiner et sculpter des sculptures et s'est vite rendu compte qu'il avait du talent. Ses modèles étaient son frère cadet Diego, proche, mais le plus souvent depuis de nombreuses années.
En 1919-1920, Alberto étudie à l'École des Beaux-Arts de Genève, puis part en Italie. Il cherchait à comprendre et à comprendre ce qu'il voyait autour de lui. Il découvre qu'il ne peut pas reproduire la réalité sous sa forme traditionnelle dans ses œuvres. Il lui semblait que les gens sont énormes à l'extérieur et à l'intérieur, et que la façon dont ils sont habituellement représentés n'est pas en mesure de refléter cela.
Après l'Italie, il entre à l'académie des beaux-arts de la Grande Chaumière à Paris. Son professeur de sculpture était l'élève d'Auguste Rodin, d'Émile Antoine Bourdelle.
Giacometti ne voulait pas suivre les canons traditionnels basés sur l'Antiquité et cherchait péniblement sa propre voie dans la créativité. A Paris, il découvre le modernisme, le cubisme, le surréalisme, l'art africain et l'art des peuples d'Océanie. Cela confirme sa réticence à créer dans la tradition européenne. Il croyait que l'image plate inhérente à ces cultures est la plus proche de la réalité. En effet, lorsqu’ils regardent une personne, ils ne voient qu’un seul côté de celle-ci et ne savent pas ce qu’il y a derrière elle. Il réalise des portraits comme un masque, comme un avion. Il commence à réaliser des sculptures cubistes dans lesquelles on distingue des figures humaines.
En fin de compte, Alberto Giacometti a radicalement repensé l'idée de la sculpture et a atteint son objectif : il a trouvé son propre style visuel. Les figures de ses œuvres s'allongent et deviennent incroyablement fines. Avec des proportions aussi inhabituelles, le sculpteur semblait souligner la fragilité et l'impuissance des êtres vivants.
Alberto Giacometti, 1960, photo de Kurt Bloom.
L'atelier de Giacometti était situé dans le quartier Montparnasse à Paris. Il y a travaillé pendant environ 40 ans. Même si les locaux étaient petits, seulement 20 mètres carrés et mal équipés, il ne voulait pas déménager, même s'il en avait les moyens financiers. C’était un bourreau de travail fanatique et indifférent aux bénédictions du monde. Il ne prenait pas soin de sa santé, mangeait mal, fumait et fréquentait des établissements avec des femmes de petite vertu.
Vie privée
Giacometti a rencontré sa future épouse, Annette Arm, 20 ans, à Genève, où il a vécu pendant la Seconde Guerre mondiale. Ils n'avaient pas d'enfants. Dans sa jeunesse, Alberto souffrait d'une maladie qui le rendait sans enfant.
Annette et son frère Diego étaient des modèles constants et dévoués. Son frère posait non seulement pour Alberto, mais était aussi son meilleur ami, soutien et assistant.
Alberto Giocometti et sa femme Annette, 1954
Alberto Giacometti est décédé le 11 janvier 1966 à Coire, en Suisse. Il n’a pas laissé de testament et tout son héritage est revenu entièrement à sa femme. Ni son frère ni la fille qu'il a tant aimée dans les dernières années de sa vie n'ont rien reçu.
Alberto Giacometti avec sa bien-aimée Caroline
Les œuvres d'Alberto Giacometti battent des records de ventes aux enchères
Alberto Giacometti a réussi à se faire connaître de son vivant. Cependant, son travail a commencé à rapporter de l'argent fabuleux après sa mort. Ainsi, en 2010, sa sculpture « Walking Man » a été vendue chez Sotheby's pour 103,9 millions de dollars à la vitesse de l'éclair - en seulement 8 minutes d'enchères.
Alberto Giacometti, "L'Homme qui marche"
En 2015, une autre sculpture, « Pointing Man », a établi un nouveau record de prix. Il a été acheté pour 141,7 millions de dollars lors d'une vente aux enchères chez Christie's.
Alberto Giacometti, "L'homme qui montre du doigt"
Mais les sculptures de Giacometti ne sont pas les seules à connaître un succès retentissant. En 2013, la maison de ventes Christie's a vendu le tableau « Diego in a Tartan Shirt », un portrait de son jeune frère, ami et assistant, peint en 1954.
Alberto Giacometti, "Diego en chemise tartan"
En 2014, la sculpture en bronze « Chariot » a été vendue pour 101 millions de dollars.
Alberto Giacometti, "Le Char"
Alberto Giacometti sur les billets et les contrefaçons
Le succès commercial des œuvres de Giacometti hante certains envieux. Ainsi, dès les années 1980, l’artiste néerlandais Robert Dreissen commence à forger ses œuvres. Les contrefaçons déguisées en originaux sont très demandées depuis longtemps.
Le travail du grand sculpteur est étroitement lié à l’argent d’une autre manière. Depuis 1996, la Suisse émet un billet de 100 francs représentant Alberto Giacometti et ses sculptures.
100 livres suisses
Alberto Giacometti parmi ses sculptures. Photographe Henri Cartier-Bresson.
Galerie de sculptures Alberto Giacometti
Alberto Giacometti, "Un homme et une femme"
Alberto Giacometti, "L'objet invisible"
Alberto Giacometti, "Chat", "Chien".
Alberto Giacometti, "La Main"
Alberto Giacometti, "Un homme et une femme"
Alberto Giacometti, "La grande femme"
Alberto Giacometti, "Trois hommes qui marchent"
Alberto Giacometti, "Diego" (frère cadet)
Ma première rencontre avec l'œuvre d'Alberto Giacometti a eu lieu à l'automne 2008 lors d'une exposition au Musée des Collections Personnelles. À cette époque, j’étais en quatrième année d’études et je commençais à sortir de l’étroite réclusion byzantine dans laquelle j’avais passé les trois premières années d’études. Inutile de dire que l’exposition fit forte impression à l’époque. Fasciné par ses œuvres d'après-guerre, captivé par le rythme de leurs formes et les découvertes spatiales inattendues, je n'ai prêté aucune attention aux sculptures des années 30. Je les ai passés à côté en accrochant le cliché du « surréalisme » et je n’y ai même pas beaucoup pensé. Cependant, grâce à Rosalind Krauss, j'ai eu la chance de revenir sur ces œuvres manquées et de les regarder attentivement.
Rosalind Krauss identifie deux facteurs principaux qui ont influencé la recherche du jeune Giacometti. C'est d'abord une passion pour l'art de l'Afrique, de l'Océanie et de l'Amérique précolombienne. Deuxièmement, c'est une amitié avec l'écrivain et philosophe Georges Bataille.
Dans la seconde moitié des années 1920, l'intérêt pour ce qu'on appelle s'est enflammé en France. art primitif des pays coloniaux. Cet intérêt toucha non seulement les artistes travaillant à cette époque, mais aussi les ethnographes, les psychologues et les écrivains. DANS 1926 le livre est sorti « Sculpture nègre primitive », dont l'auteur Paul Guillaume a cherché à intégrer les arts primitifs dans le contexte esthétique des années 20. À la suite de Guillaume, le psychologue Luque a comparé la créativité des anciens aux dessins d'enfants." La peinture rupestre préhistorique s'est développée selon le même schéma que le dessin d'un enfant moderne : d'abord des traits aléatoires, puis une transition progressive vers une répétition consciente de certains contours, et enfin, une image figurative. La similitude avec des objets du monde extérieur, à un moment donné « identifiés » par des gribouillages non figuratifs, s’améliore et se complexifie avec le temps. (...) l'impulsion artistique - le désir de peindre - naît de la liberté et du plaisir absolus ; c'est cet instinct qui est primordial, et non le désir de représenter la réalité. » C'était une vision joyeuse de l'art ancien, une admiration pour les formes extérieures et le désir de les assimiler à la toile européenne. C'est de cette idée que Giacometti est parti en 1926-1927, lorsqu'il crée ses célèbres œuvres "Pair" et "The Spoon Woman". « Le primitivisme a été la pierre angulaire pour Giacometti dans son dépassement à la fois de la tradition sculpturale classique et des conceptions cubistes qui apparaissaient dans son œuvre au début des années 1920 comme la seule alternative logique. La maturité créative de Giacometti est venue précisément lorsqu'il a découvert la capacité d'inventer une sculpture, très étroitement liée aux sources primitives. " En 1926, il crée la sculpture Para. Giacometti "utilise à la mode alorsstyle nègre, qui a littéralement tout influencé, du mobilier Art Déco aux décors de théâtre Léger des années 20. (...) La superposition de détails décoratifs exotiques sur un fond plat stylisé est une stratégie formelle que l'on peut appeler Negro Deco ; c’est elle qui est présente dans « Pair », créant dans cette œuvre une certaine atmosphère générale afro-primitiviste, mais sans faire référence à un quelconque prototype sculptural spécifique.
1 paire. 1926.
R. Krauss considère la « Femme cuillère » de 1927 comme une sculpture véritablement indépendante et significative. "
Dans The Spoon Woman, le sculpteur a utilisé une métaphore qui définit la forme des louches à grains de la tribu africaine Dan. Dans ces louches, la pelle prend la forme de la partie inférieure du corps féminin, se présentant comme un réceptacle, un récipient, un réservoir creux. (...) En retournant la métaphore, de « une cuillère en forme de femme » à « une femme en forme de cuillère », Giacometti a pu renforcer le sens de la métaphore et l'universaliser, généralisant et faisant abstraction des formes initialement naturalistes de la louche sculptée africaine. Prenant du prototype africain l'image d'une femme toute matrice, Giacometti allie la grâce de la forme de la louche africaine et la brutalité des vénus de pierre néolithiques.Par cet éloge à la finalité première de la femme, chanté selon une forme primitive, Giacometti adopte les positions les plus avant-gardistes. Il s’est avéré être un allié de l’avant-garde visuelle avec son attitude anti-occidentale alors agressive. (…) Mais « The Spoon Woman », c’est aussi autre chose. (...) Son style (peut être défini) comme un primitivisme « doux », un primitivisme qui a pris entièrement forme et a donc perdu sa puissance.
2. Cuillère Femme. 1927.
En 1928, le Musée des Arts Décoratifs de Paris organise l'exposition « L'Amérique disparue », qui présente des monuments de la culture indienne, et en 1930 un catalogue avec un article de Georges Bataille est publié. Bataille voit dans l’art des anciens peuples d’Amérique un début à l’opposé de l’insouciance enfantine dont on parlait communément auparavant. Il a remarqué que L’art primitif peut à la fois créer des images détaillées et véridiques d’animaux et des images laides et déformées de personnes. "Bataille insiste sur le fait que c'est délibéré, qu'il s'agit d'une sorte de vandalisme primitif manifesté dans les images des gens." Luque Bataille veut remplacer le principe paisible du plaisir par le principe destructeur. A chaque (...) étape de son développement, Bataille voit s'accomplir un nouveau désir de mutiler et de déformer ce qui est sous ses yeux : « L'art - puisqu'il est sans doute de l'art - suit le chemin des destructions successives. Les instincts qu’il libère sont donc des instincts sadiques. » En 1930, à la parution de « Vanished America », Giacometti se range aux côtés de Bataille et rejoint le cercle de ses partisans réunis autour du magazine.Documents. Ce cercle comprenait des ethnographes, grâce à l'amitié avec euxGiacometti a pris connaissance des détailsnon seulement avec l'ethnographie, mais aussi avec la façon dont elle a été comprise et traitée par un groupe d'auteursDocuments.
En 1930 Giacometti a créé la sculpture « Boule suspendue ». Cette œuvre « fit sensation parmi les surréalistes orthodoxes, mettant instantanément Giacometti en contact avec Breton et Dali, une sculpture avec laquelle parmi les surréalistes commença la mode des objets à connotation érotique, elle est encore beaucoup moins étroitement associée au surréalisme qu'à Bataille.Le glissement qui, dans cette sculpture, relie la boule coupée et son partenaire en forme de croissant signifie non seulement une caresse, mais aussi un acte de coupe - reproduisant, par exemple, la scène étonnante du début d'Un Chien Andalou, lorsqu'un rasoir coupe l'œil ouvert. (...) ou la corne de taureau de "Histoire de l'oeil" de Bataille, corne perçant l'orbite du matador, le tuant et lui arrachant l'œil." "Et le croissant de lune peut aussi être associé au monde de violence sacrée, un intérêt pour lequel en 1930 est devenu courant pour Giacometti et Bataille. La forme du croissant suit la forme des pierres sculptées utilisées par les anciens Mexicains lorsqu'ils jouaient au ballon, les joueurs presque nus portaient - soi-disant pour se protéger - ces croissants de pierre. Ensuite, R. Krauss analyse « L’Histoire de l’œil » de Bataille et trouve des analogies et des associations plus complexes et plus profondes. J'omets ces fragments et renvoie ceux qui sont particulièrement intéressés à la source originale.
3. Boule suspendue. 1930-1931.
4. Boule suspendue. 1930-1931.
Immédiatement après cette sculpture, Giacometti commence à percevoirsa mère l'a elle-même sculptée comme un terrain de balle ou un terrain de jeu, ce qui se reflète dans ses œuvres : « Point in the Eye », « Vicious Circle » et « On ne joue plus » (« Game Over »).
5. Point dirigé vers l'œil. 1930. L'intérêt pour le thème mexicain s'est manifesté dans l'œuvre « L'Heure des traces » comme une image extatique du sacrifice humain au sommet de l'œuvre, dont la bouche est déformée soit par le plaisir extatique, soit par la douleur (ou, comme dirait Bataille). , les deux à la fois) , se tient sur l'autel, sous lequel pend un cœur arraché du corps."
6. Heure de traces. 1930.
La même année 1930, apparaît la sculpture « Femme, tête, arbre ». ET la femme ici est représentée comme une mante religieuse ; L'image de cet insecte était populaire parmi les surréalistes : la femelle mante religieuse est connue pour tuer et dévorer le mâle après ou même pendant l'accouplement. Et comme la forme du corps de la mante religieuse ressemble aux contours du corps humain, ses habitudes d’accouplement semblaient très significatives aux surréalistes.
7. Femme, tête, arbre. 1930.
8. Cage. 1930-31.
Entre autres choses, un homme à tête d’insecte – un acéphale – est l’une des images préférées de Bataille, car cette image contient un paradoxe que Bataille aimait découvrir. « Là où il y avait un signe de ses capacités supérieures (de l’homme), de son esprit, de son esprit, maintenant il y a quelque chose de bas, il ressemble à un ver, à une araignée écrasée (...) à travers le prisme.acéphale la verticalité de l'homme - son élévation au sens biologique et moral - est perçue à travers sa propre négation : un retour à la primitivité, à la descendance.
L'objet principal de R. Krauss est la sculpture "Objet invisible". Le chercheur s’intéresse à ce qui pourrait servir de prototype à ces travaux. Tout d’abord, elle cite plusieurs opinions existantes, puis tout au long de l’essai, elle revient plusieurs fois sur « L’objet invisible », essayant de donner sa propre réponse à cette question troublante. Selon les mémoires de Breton, le « modèle » de la sculpture était un masque que lui et Giacometti avaient trouvé dans un marché aux puces. A partir de ce masque, Giacometti réalise une copie en plâtre qui ressemble vaguement au visage de l'Objet Invisible. Leiris, contemporain de Giacometti et l'un des premiers chercheurs de son œuvre, parle d'une jeune fille en particulier qui a posé pour le sculpteur. Cependant, à notre connaissance, le travail d’après nature n’est devenu la règle de Giacometti qu’après la guerre, mais pas pendant la période surréaliste. L'historien Hohl réfute les deux versions et affirme que le prototype est une sculpture spécifique des Îles Salomon provenant du musée ethnographique de Bâle. À toutes ces versions, R. Krauss ajoute une hypothèse supplémentaire. Elle dit que pendant qu'il travaillait sur L'Objet invisible, Giacometti était très ami avec Max Ernst, qui créait alors des images sculpturales de l'oiseau démon papou Loplop. Dans ses textes, Ernst associait Loplop à la mante religieuse. R. Krauss suggère que les images de telles mantes Loplop pourraient également servir de prototype pour la « tête d'oiseau » de « l'objet invisible ». " Cela crée un champ conceptuel au sein duquel la logique de « l’Objet Invisible » relie l’esprit de la défunte des Îles Salomon au bourreau mythique/biologique incarné sous la forme d’une mante religieuse. À partir du récit de Breton sur la succession des différentes versions de la tête de la sculpture, on peut désormais considérer l'idée d'un masque-tête comme constante, et donc associer la figure entière à l'idée d'un acéphale. Au fur et à mesure que Giacometti travaille sur la sculpture, le masque lui-même devient de plus en plus cruel et ressemble de plus en plus au visage anguleux d'une mante religieuse aux yeux immenses. Une autre interprétation possible est la présence du fantôme de la mère, caché dans l'esprit du défunt des Îles Salomon. " La mère est l'un des personnages les plus importants dans les fantaisies de Giacometti. " On peut voir comment cette force maternelle est associée à l'idée de la mort, qui submerge son œuvre, et en même temps définit le scénario de la grossesse et de la naissance. Giacometti était hanté par l'idée d'une pierre portant du fruit."
9. "Objet invisible". 1934.
10. Objet invisible. Fragment. 1934.
R. Krauss accorde une attention particulière aux sculptures horizontales de Giacometti. Selon elle, « tous les monuments verticaux de Giacometti seront moins intéressants, c'est-à-dire moins innovants, que les œuvres qu'il réalisa de 1930 à 1933. Car ces œuvres « qui ne rentrent pas » sont horizontales. Il n'y a pratiquement aucun précédent dans le genre historique, c'est que l'axe du monument était tourné de quatre-vingt-dix degrés : la verticale se trouvait horizontalement sur le sol dans des objets tels que « Projet de Passage », « Tête/Paysage », et dans les terrains de jeux étonnants - « Cercle vicieux » et « Cercle vicieux ». Le jeu est terminé ≫ - l'œuvre elle-même coïncide simplement et directement avec le piédestal. On peut tenter de contester l'innovation de ces œuvres et dire que Brancusi a aboli dans son œuvre la division entre sculpture et piédestal. jeunesse, mais alors le sens originel du geste de Giacometti nous échappera car les socles/sculptures de Brancusi restent verticaux. Ils continuent d'exister dans un espace marqué par l'opposition originelle de ce qui n'est pas l'art - la terre - et de ce qui est l'art - la sculpture. . La verticalité elle-même déclare que le champ de représentation de la sculpture existe séparément du monde réel, et cette séparation est traditionnellement signifiée par un piédestal vertical qui élève l'œuvre d'art au-dessus du sol, la sortant de l'espace de la réalité. … La rotation de l'axe de la sculpture et sa coïncidence avec l'horizontale ont été complétées par des changements dans le contenu des œuvres - la « dépréciation » du sujet, et ainsi la sculpture s'est impliquée simultanément avec la terre et la réalité - la matérialité de l'espace. et la littéralité du mouvement en temps réel. Du point de vue de l'histoire de la sculpture moderne, ce geste constitue le point culminant de l'art de Giacometti, anticipant de nombreux aspects de la refonte de la sculpture intervenue après la Seconde Guerre mondiale.
" La première de ces sculptures est le « Projet Passage » (1930 - 1931), proche à la fois des « anatomies » d’Ernst et de la métaphore ethnographique du corps comme ensemble de cases africaines en argile. Un autre nom que Giacometti a utilisé pour désigner cette œuvre - "Labyrinthe" - souligne le lien de son idée avec le monde du primitif.. Dans le champ intellectuel des années 1930, fasciné par l'image du Minotaure, le labyrinthe s'opposait directement à l'architecture classique par sa clarté et la primauté de l'espace. Le labyrinthe contrôle une personne, la confond, la mène à la mort. »
11. Projet de passage. 1930-1931.
"Dans la deuxième des sculptures horizontales, le thèmetournant l’axe devient plus clair. "Tête/Paysage" (1930 - 1931) s'appelait à l'origine "Chute d'un corps sur un graphique" et cette chute d'un corps est une confirmation verbale de ce qui se passe dans la sculpture.77 . Le principe structurel de « Tête/paysage » repose sur une relation métaphorique entre deux choses, reliées par un dispositif spatial tel que l'anamorphose : un visage placé sur un plan horizontal ressemble à un paysage. le prototype est le couvercle d'un cercueil de Nouvelle-Calédonie, conservé au Musée de l'Homme de Paris. Des photographies de cet objet ont été publiées dans un numéro spécial richement illustré.Cahiers d'art, dédié à l'art de l'Océanie, émission que possédait Giacometti et à partir des illustrations dont Giacometti a réalisé de nombreux dessins de copie.
12. Tête/paysage. 1930-31.
13. Cercle vicieux. 1931.
Dans l’œuvre « Game Over », « la sculpture est comprise comme un jeu, sa surface plane est parsemée de cratères ronds, empruntés au jeu africain des cailloux appelés « i ».92
; mais au centre se trouvent deux minuscules cercueils aux couvercles ouverts. L'espace du plateau de jeu, sur lequel les pièces peuvent être déplacées en temps réel, se mêle à l'image de la nécropole."
14. Jeu terminé. 1933.
"La source originale de l'idée qui a poussé Giacometti à tourner l'axe de la sculpture de 90° était l'idée de la sculpture horizontale comme terrain de jeu, comme piédestal, le piédestal comme nécropole, le mouvement en temps réel. La révolution dans la sculpture de Giacometti a commencé en 1930, et à cette époque Giacometti était encore associé à un magazineDocuments et autour de lui. L'idée de temps réel, entrée dans son œuvre à partir de Le Bal suspendu et L'Heure des rails, conduit à l'idée d'espace réel ; et l'espace réel est déterminé par la sculpture, devenue rien d'autre que son piédestal, le vertical, inversé et devenu horizontal. Cette opération même a été constamment réalisée par Bataille, développant son conceptbassesse - faible matérialisme - dans le magazineDocument s . Sur la carte anatomique de la philosophie de Bataille, l'axe vertical est symbolisé exprime le désir de l'homme pour le sublime, pour le spirituel, pour l'idéal, sa conviction que la marche droite, la verticalité du corps humain sont une différence non seulement biologique, mais aussi éthique entre lui et les animaux. Bataille, bien sûr, ne croit pas à cette différence et insiste sur la présence dans la nature humaine – outre l'arrogance répressive de la verticalité – aussi de la bassesse, de l'horizontalité comme véritable source d'énergie libidinale. L'horizontale est ici à la fois un axe et une direction, l'horizontalité de la poussière de la terre, l'abîme du réel. (...). Ces œuvres inversées ayant pour thème un homme sans tête et un labyrinthe ont un autre point commun. Car tous – à une exception près – portent les signes de la mort.
"En 1935, l'art de Giacometti change radicalement. Il commence à travailler avec la vie, avec des modèles posant pour lui dans l'atelier, et ne réalise plus de sculptures qui - comme il le dira plus tard à propos de ses œuvres du début des années 1930 - " sont entièrement nées de moi." dans sa tête." La rupture avec le cercle surréaliste qui a suivi ce changement a laissé dans l'âme de Giacometti une vive hostilité envers le surréalisme. Giacometti déclare que "tout ce qu'il a fait jusqu'à présent est de la masturbation et il n'a plus d'autre but que cela. représenter une tête humaine." Il est prouvé que dans l'impulsion de ce renoncement, il a également renoncé au lien de son travail avec l'art primitif, déclarant que s'il a emprunté quelque chose à ce domaine, c'est uniquement parce qu'au début de sa carrière créative art nugre était à la mode. Giacometti n'a pas simplement renoncé au surréalisme ou à la fascination qui y est associée pour l'art des peuples primitifs. À un autre niveau structurel, plus profond, il renonce à l'horizontale et à tout ce qu'elle signifie : la dimension qui repense les fondements formels de la sculpture, la matricealtération anatomie humaine. Depuis 1935, il se consacre exclusivement à la sculpture verticale."
Toutes les citations du livre sont placées entre guillemets ; leur cohérence grammaticale relève de la responsabilité du traducteur.
Irina Nikiforova
DES EXPOSITIONS
Numéro du magazine :
Probleme special. SUISSE - RUSSIE : AU CARREFOUR DES CULTURES
L'autorité du Musée national des beaux-arts d'A.S. Pouchkine était en grande partie due à son leadership dans la réalisation de grands projets internationaux. Les activités d'exposition du musée ne se limitent pas à la mise en œuvre d'idées associées à de nombreuses années d'étude de sa propre collection. L'intérêt et les efforts importants de ses employés ont toujours été orientés vers la mise en œuvre de projets qui illustrent des pages de l'histoire des beaux-arts et complètent les lacunes de l'exposition du musée. Depuis des décennies, la tradition des expositions d'œuvres d'artistes modernistes et de classiques de l'art d'avant-garde du XXe siècle est maintenue. Le Musée national des beaux-arts Pouchkine a été le premier à présenter aux visiteurs les œuvres de Picasso, Modigliani, Dufy, Miro, Dali, Magritte, Mondrian et Warhol. Il y a quarante ans, de tels spectacles constituaient un véritable choc culturel, une démonstration audacieuse d’un langage artistique différent sur fond de « mythologie esthétisée » d’un pays totalitaire.
Réalisation de l'exposition « Alberto Giacometti. La sculpture, la peinture, le graphisme peuvent être considérés comme un événement majeur dans la vie culturelle de la Russie. La préparation de la première exposition du vaste héritage de l’artiste à Moscou et à Saint-Pétersbourg s’est heurtée à de sérieuses difficultés qui, malgré l’intérêt mutuel des participants au projet, semblaient parfois insurmontables. Il n'a pas été possible dans l'immédiat de parvenir à un accord entre toutes les parties concernant la fourniture des œuvres, leur transport et leur exposition. Les négociations avec les partenaires suisses, qui ont duré plusieurs années, ont été interrompues à deux reprises jusqu'à ce qu'un accord soit finalement signé à l'été 2008 entre la Fondation Beyeler (Bâle), le Kunsthaus suisse et la Fondation Alberto Giacometti (Zurich), les deux plus grands musées russes. - l'Ermitage et le Musée A.S. Pouchkine. La mise en œuvre réussie du projet et son succès incontestable auprès du public justifient les efforts investis dans l'organisation de l'exposition.
Dans les années 1930, Giacometti était accepté et favorisé par la bohème parisienne ; dans les années 40, grâce aux expositions à la galerie Pierre Matisse (New York), il gagna en popularité en Amérique ; depuis les années 1950, il devint le leader incontesté de l'avant-garde européenne ; -art de garde. Mais jusqu'à présent, le travail de l'artiste légendaire, connu dans le monde entier, est peu connu du public russe.
Les contemporains considéraient son art comme le reflet d'idées philosophiques et analysaient l'influence de divers mouvements d'avant-garde sur le développement de son style. Le théoricien du surréalisme André Breton considérait les œuvres du sculpteur comme une illustration idéale de l’esthétique des surréalistes. L’écrivain, philosophe et dramaturge français Jean Paul Sartre pensait que l’œuvre de Giacometti était construite sur les principes de la phénoménologie et que les images qu’il créait existaient « à mi-chemin entre l’être et le néant ». L'essai de Sartre sur l'artiste, « La quête de l'absolu » (1947), est une analyse de l'essence existentielle de son art. Cependant, Giacometti lui-même a nié dans ses notes et essais tout lien avec une quelconque direction de la philosophie et de l'art.
Évitant les déclarations choquantes et bruyantes, Alberto Giacometti incarne ses sentiments dans des compositions plastiques. Il a admis : « Je travaille principalement pour les émotions que je ressens uniquement lorsque je suis en train de créer. » L'absorption fanatique de la créativité lui a permis tout simplement de ne pas remarquer le temps, de passer des jours sans ressentir la faim ni le besoin de repos et de sommeil. Il a consacré toute son énergie à rechercher un moyen de pénétrer dans l'essence des phénomènes, en essayant de découvrir la véritable « doublure » de l'existence.
Alberto a reçu sa première expérience artistique dans l'atelier de son père, le peintre suisse Giovanni Giacometti. Enfant, Alberto a réalisé la puissance de son don : « Enfant, j'étais infiniment heureux et j'appréciais l'idée de pouvoir dessiner tout ce que je voyais. » Impressionnant, doté de capacités extraordinaires, Giacometti a grandi dans une atmosphère de créativité. Dans la maison parentale de la ville de Stampe, de nombreux objets d'intérieur - meubles, tapis, lustres - ont été fabriqués par le père ou selon ses dessins. Alberto avait à sa disposition une bibliothèque familiale avec une riche collection de publications artistiques. Il s'est délibérément engagé dans le dessin et la peinture, copiant les œuvres de maîtres anciens à partir d'illustrations de livres.
Les voyages en Italie et la connaissance des œuvres de maîtres anciens - Tintoret, Giotto, Mantegna - sont devenus une étape sérieuse pour le jeune artiste dans la réalisation de sa propre individualité créatrice. Giacometti a rappelé plus tard qu'il avait alors ressenti pour la première fois le désespoir d'une personne s'efforçant d'atteindre l'inatteignable dans l'art - de refléter la vraie vie cachée derrière la réalité imaginaire du monde matériel.
S'installer à Paris, étudier à l'Académie de la Grande Chaumière et visiter l'atelier du « frénétique » Antoine Bourdelle ont été bénéfiques pour le développement du talent créatif d'Alberto, 20 ans. Le dynamisme et le drame interne de la plasticité de Bourdelle se révèlent inhabituellement proches des quêtes encore inconscientes de Giacometti. La modeste jeunesse provinciale a été choquée par la vie artistique active de la capitale culturelle. Il peint et sculpte, empruntant beaucoup aux recherches formelles des artistes contemporains, se passionne toujours pour le cubisme et le Dada et se soumet volontiers à l'autorité du fondateur du surréalisme, André Breton, avec son « Deuxième Manifeste du surréalisme », qui a fait ses preuves. un levain révolutionnaire et politique. Sur les conseils de collègues chevronnés, il visite le département ethnographique du Musée de l'Homme, où il s'inspire des formes plastiques des arts primitifs d'Afrique et de Polynésie.
Giacometti, avec l’enthousiasme d’un néophyte, a surmonté « l’école » qu’il avait apprise auparavant, le système pictural de son père, en révélant son incohérence. Dans l’enthousiasme de l’artiste d’avant-garde « converti », il commet le blasphématoire en publiant l’opus littéraire « Hier. Sables mouvants." Cette œuvre, basée sur les faits de son autobiographie, contenait des fantasmes (plaisir sadique obtenu en se moquant des insectes, violence contre les membres de la famille, péché mortel du parricide), qui révélaient l'agressivité inconsciente de l'artiste envers son passé. En décrivant des actions destructrices, il cherche à s'affranchir en imagination du cadre rigide des traditions généralement acceptées. La mort de son père, qui suivit peu après, blessa et dégrisa Giacometti.
Il a absorbé avec avidité et interprété avec talent tout ce qui était nouveau, le mettant sous forme artistique, exprimant visuellement le sens de ce qu'il avait réalisé, mais il s'est vite désintéressé si cela ne correspondait pas à ses objectifs artistiques. La collaboration avec un groupe de surréalistes marque sérieusement l’œuvre de l’artiste, mais ne constitue qu’un petit pas sur la voie du « grand style ».
Le roman d’Honoré de Balzac « Le chef-d’œuvre inconnu », lu par Alberto Giacometti au début des années 40, devient pour lui une sorte de programme. Balzac a défini clairement et simplement le but de la douloureuse recherche de l'artiste : « La beauté est stricte et capricieuse, dit le vieux peintre Frenhofer, elle ne se donne pas si facilement, il faut attendre l'heure favorable, la traquer et, après avoir l'a saisi, le tient fermement afin de le forcer à se rendre. La forme est Protée, bien plus insaisissable et riche en astuces que le Protée du mythe ! Ce n’est qu’après une longue lutte qu’elle pourra être forcée de se montrer sous sa vraie forme. Vous vous contentez tous de la première forme sous laquelle elle accepte de vous apparaître, ou, tout au plus, de la deuxième ou de la troisième ; Ce n’est pas ainsi qu’agissent les combattants gagnants. Ces artistes inflexibles ne se laissent pas tromper par toutes sortes de rebondissements et persistent jusqu’à forcer la nature à se montrer complètement nue, dans sa véritable essence.
Giacometti s'éloigna du reflet vide de l'enveloppe extérieure du modèle, l'imposante chair humaine. Nettoyant le monde qu'il a créé des débris alluviaux, l'artiste a isolé la chair mortelle de la matière et a finalement laissé derrière lui l'énergie fantastique de l'esprit. Année après année, Alberto Giacometti surmonte la résistance du matériau, le fait sonner comme un diapason, transmettant une tension émotionnelle. Après les chefs-d’œuvre littéraires de Kafka, Camus, Sartre, Beckett, les œuvres de Giacometti sont une incarnation visuelle du sentiment tragique d’abandon de l’homme par Dieu.
Giacometti a changé la perception des types traditionnels d'art en mélangeant les techniques de traitement des métaux et de peinture des surfaces. Sa révolution dans l'art réside dans la destruction de l'essentiel qui constituait en fait la sculpture : il « abolit le volume » ; figures déformées à cause de la minceur des lames ; introduit à travers des structures en guise de protestation contre le langage plastique traditionnel avec sa tangibilité et son poids accentués. Des figures verticales presque éthérées rassemblent et maintiennent n'importe quel espace - des intérieurs de musées aux places de ville, saturant tout ce qui les entoure d'un magnétisme particulier. Ils n’ont pas besoin d’une lente contemplation, d’une douce marche circulaire. Des sculptures pointues et expressives dominent l’espace comme des images graphiques géantes et clairement dessinées.
La surface des pièces moulées en bronze conserve les traces des mains de Giacometti touchant l’argile. La texture, combinée à une patination magistrale avec des transitions tonales complexes allant de l'ocre chaud aux nuances froides de vert, nous permet de comparer les sculptures à la peinture spatiale. Les peintures, dessins et gravures de Giacometti, au contraire, contiennent les techniques de travail du sculpteur : il ne fixait pas les images avec un dessin de contour clair, mais semblait modeler des objets, des corps et des visages, « tâtonnant » leur forme et leur position correcte dans l'espace. par des répétitions répétées du contour. La planéité du papier et de la toile a acquis du volume, des traits fluides ont tissé l'image, maintenant la dynamique de la « vision vivante ».
L'artiste a trouvé de manière inattendue des solutions aux problèmes qu'il s'était posés dans les choses les plus simples. Ainsi, un panneau routier pour un passage piéton servit d'impulsion à la création des séries « Walking » et « Crossing Space » à la fin des années 1940, et les modèles de sculptures, assemblés de manière chaotique dans le coin d'un atelier parisien exigu, formèrent un ensemble composition et est devenue une nouvelle image trouvée («Forest», 1950). L’artiste s’est inspiré pour créer la sculpture « Main » (1947) du « Chef-d’œuvre inconnu » de Balzac. Il illustre littéralement les paroles de l'un des personnages selon lesquelles un moulage d'une main vivante ne restera qu'un morceau de chair sans vie : « La tâche de l'art n'est pas de copier la nature, mais de l'exprimer. ...Nous devons saisir l'âme, le sens, l'apparence caractéristique des choses et des êtres... La main ne fait pas seulement partie du corps humain - elle exprime et poursuit la pensée qui doit être saisie et transmise.
Giacometti était doté de l’insatisfaction d’un génie : « Tout ce que je peux réaliser est si insignifiant en comparaison de ce que je peux voir et équivaudrait plutôt à un échec. » Ces mots expriment les véritables sentiments d'une personne obsédée par l'art, pour qui les objectifs créatifs étaient le sens de la vie.
Leur réalisation a été rendue possible en grande partie grâce à Diego Giacometti, un talentueux sculpteur, designer de meubles et architecte d'intérieur, resté dans l'ombre de son brillant frère aîné pendant plus de 40 ans. Son service fidèle à Alberto, son soutien moral et financier, son aide dans la mise en œuvre des idées et, enfin, la mise en œuvre de l'étape la plus importante du travail de sculpture - le transfert de modèles en argile dans des moulages en bronze dans sa propre fonderie - peuvent être appelés un véritable exploit.
La Fondation Alberto Giacometti à Zurich a été créée sur la base de la collection de Diego, de celle de la veuve de l'artiste, Anette Arm, et des cadeaux de son jeune frère Bruno. La petite exposition, qui comprenait 60 œuvres de Giacometti, dont la majeure partie a été fournie par la fondation, reflétait toutes les périodes de l'œuvre du maître, depuis un premier autoportrait réalisé sous l'influence de la peinture de son père jusqu'à son dernier (non réalisé). projet - une composition sculpturale pour la place devant la Chase Manhattan Bank à New York.
« L’œuvre de Giacometti, me semble-t-il, s’efforce de trouver une blessure secrète dans tout ce qui existe…
Jean Genet
Dans la forteresse grisele monachisme, derrière un mur de pierre d'aliénation, sous le siège de la peur et de l'incompréhension - c'est à peu près ces sombres allégories qui peuvent caractériser le plus précisément l'œuvre d'Alberto Giacometti.
Rejet des autresson monde, ses ordres et ses conventions imposées - en passant par tout le spectre de ces émotions, Giacometti a créé des compositions sculpturales pleines d'apesanteur - plus comme des ombres que des réalités tridimensionnelles. Doigt de piedPour souligner davantage leur isolement, le maître a enfermé certaines de ses œuvres dans des cages - de fines structures à ossature conçues pour isoler visuellement le petit espace dans lequel ses chefs-d'œuvre sont voués à reposer pour toujours.
Alberto Giacometti est né en 1901 à Borgonovo, en Suisse. Fils d'artiste, il avait dès l'enfance l'habitude de voir des objets d'art autour de lui. On peut dire qu'il a acquis son amour pour l'art avec ses gènes.
Par la suite Giacomettidevenu une véritable personnalité emblématique, il influence de nombreux mouvements ultérieurs et le développement de l'art en général.
Alberto Giacometti était ami avec des artistes aussi célèbres qu'André Breton, Pablo Picasso, Max Ernst, Sartre, Miro.
A Paris, où il vit et travaille depuis 1922, Alberto change d'orientation
réfléchit à sa créativité, s'intéresse au cubisme, à l'art africain et au primitivisme. Les œuvres créées durant cette période sont devenues les plus célèbres de son œuvre. Il a été reconnu de son vivant et a été noté par de nombreux critiques et connaisseurs d'art comme le plus grand créateur. Après sa mort en 1966 en Suisse, une des rues porte son nom. En outre, Alberto Giacometti est représenté sur le billet de 100 francs suisses comme l'une des plus grandes figures de la Suisse, connue dans le monde entier grâce à son talent exceptionnel.Alantu.
La solitude dans une foule est l'une des situations les plus puissantes et les plus difficilesx sentimentgénie, expérimenté à la fois par le génie et par l'homme moderne ordinaire.
Le groupe sculptural « Trois hommes qui marchent » est rempli de tension nerveuse et de perte, où transparaît clairement la peur compréhensible de l'incertitude quant à l'avenir.
Impossiblee et la terrible solitude de la mort - « La Main » de Giacometti, créée par le sculpteur à partir d'une image d'une main humaine coupée qui a en réalité été volée pendant la guerre. Cette « Main » peut faire frémir les matérialistes les plus épais et détourner les yeux des plus vulnérables et impressionnables.
idéalistes.
Une sculpture en bronze représentant un homme qui marche du sculpteur suisse Alberto Giacometti a été vendue chez Sotheby's pour un montant record, devenant ainsi l'œuvre d'art la plus chère jamais vendue aux enchères.
L'enchère n'a duré que huit minutes ; le prix de départ du lot était cinq fois inférieur à celui proposé par un acheteur anonyme par téléphone.
La sculpture du XXe siècle, à taille humaine, est considérée comme une œuvre emblématique de Giacometti (Alberto Giacometti), ainsi que comme l'une des images les plus reconnaissables de l'art moderne.
Fils d'artiste, frère d'artisteIka et designer, ami et élève de maîtres mondiaux célèbres, Suisse d'origine italienne - Alberto Giacometti n'a pas connu de solitude visible. Mais ses œuvres et ses propres déclarations témoignent du contraire. "Mon âme, sans abri et agitée..." - c'est ainsi que le maître a ressenti l'une de ses meilleures créations - un chien en bronze créé en 1951.
La solitude n'est-elle pas le destin inévitable et la demeure inévitable d'un vrai génie ? Vous pouvez discuter jusqu'à ce que vous soyez enroué sur les critères du génie et « déclarer avec compétence » une « opinion motivée », mais le fait reste toujours un fait, et l'épilogue est bien plus intéressant que le prologue.
Dans l'après-guerre, Giacometti était célébréIl est reconnu par beaucoup, dont Sartre et Genet, comme un artiste existentialiste exceptionnel. Ses figures minces, apparaissant seules dans la vaste étendue de l'espace, expriment généralement le sentiment d'isolement individuel caractéristique de l'avant-garde française. L'écrivain Francis Ponge a reflété cet aspect de manière plus créative et plus vivante.
par Giacometti dans l'article « Réflexions sur les statuettes, figures et peintures d'Alberto Giacometti » paru dans les « Cahiers d'Art », Paris, 1951. « L'homme... un individu humain... une personne libre... Je je suis... un bourreau et une victime à la fois... à la fois chasseur et proie... Un homme - et un homme solitaire - qui a perdu le contact - dans un monde de souffrance délabré -qui se cherche - en repartant de zéro. Épuisé, épuisé, maigre, nu. Errant sans but dans la foule. Un homme s'inquiétait d'un homme qui souffrait de la terreur d'un homme. S'affirmant ces derniers temps dans une position hiératique de la plus haute élégance. Le pathos d’un épuisement extrême, d’une personnalité qui a perdu le contact. L’homme au pilier de ses contradictions ne se sacrifie plus. Brûlé. Vous avez raison, cher ami. L’homme sur le trottoir est comme du fer en fusion ; il ne peut pas soulever ses jambes lourdes. A commencer par la sculpture grecque, avec Laurent et Maillol, l'homme brûlé vif ! Il est indéniable qu'après Nietzsche et Baudelaire la destruction des valeurs s'est accélérée... Ils ont creusé autour de lui, ses valeurs, lui ont mis sous la peau et tout ça pour alimenter le feu ? Non seulement l’homme n’a rien, mais il n’est rien de plus que son Soi. »
L'épilogue de l'œuvre du maître suisse fut non seulement la reconnaissance officielle en 1962 à la Biennale de Venise, où Giacometti fut déclaré meilleur sculpteur de notre temps, mais aussi l'attention toujours croissante portée à ses œuvres, reflétée dans leur coût incroyablement élevé. aux enchères mondiales.
http://monemo.ru/culture/modern-art/
Alberto Giacometti (italien : Alberto Giacometti, 10 octobre 1901, Borgonovo, Stampa, Suisse - 11 janvier 1966, Coire, Suisse, enterré à Borgonovo) - sculpteur, peintre et graphiste suisse, l'un des plus grands maîtres du XXe siècle .
Giacometti est né le 10 octobre 1901 dans le quartier Borgonovo de la commune suisse de Stampa dans la famille de l'artiste Giovanni Giacometti. L'intérêt d'Alberto pour l'art est né dès la petite enfance, lorsqu'il a commencé à sculpter et à peindre. En 1919-20 A étudié la peinture à Genève, à l'Ecole des Beaux-Arts et à l'Ecole des Arts et Métiers dans la classe de sculpture. En 1920 et 1921, il voyage en Italie, où il se familiarise avec les classiques de l'art italien et les monuments de la Rome antique.
À partir de 1922, il vit et travaille à Paris, où il se rapproche d'André Breton, Louis Aragon, Picasso, Miro, Max Ernst, Sartre, Beckett et d'autres. Il étudie à l'atelier de la Grand Chaumière à Paris (1922-1925) avec E. A. Bourdelle. . Il a passé les mois d'été en Suisse.
Les premières œuvres de Giacometti sont réalisées de manière réaliste, mais à Paris, il est influencé par le cubisme ("Torse", 1925; "Personnages", 1926-1927) et s'intéresse à l'art de l'Afrique, de l'Océanie et de l'Amérique ancienne (" Tête", 1925; "Homme accroupi", 1926; "Femme cuillère", 1926).
Publié dans la revue « Le surréalisme au service de la révolution ». En 1927, ses œuvres sont présentées au Salon des Tuileries, la première exposition personnelle a lieu en 1932. Sculpture de ces années (« Femme cuillère », 1926 ; « Cage », 1930 ; « Femme à la gorge tranchée », 1932 ; « Table surréaliste », 1933 ) combine des éléments du cubisme avec les arts plastiques archaïques d'Océanie, la fantaisie onirique, l'agressivité et l'érotisme.
Après la Seconde Guerre mondiale, pendant laquelle Giacometti vivait à Genève, il adopta un nouveau style plus humaniste dans la sculpture, le portrait et le graphisme (« Walking Man », 1947 ; « Portrait d'Annette », vers 1950 ; « Buste de Diego ». », 1954 ).
Dans la période d’après-guerre, Giacometti était considéré par beaucoup, dont Sartre et Genet, comme un artiste existentialiste exceptionnel. Ses figures minces, apparaissant seules dans la vaste étendue de l'espace, expriment généralement le sentiment d'isolement individuel caractéristique de l'avant-garde française. L’écrivain Francis Ponge a vivement reflété cet aspect de l’œuvre de Giacometti dans l’article « Réflexions sur les statuettes, figures et peintures d’Alberto Giacometti », publié dans les Cahiers d’Art, Paris, 1951.
« L'homme... un individu humain... une personne libre... Je... suis à la fois un bourreau et une victime... à la fois un chasseur et une proie... Un homme - et une personne seule - qui a perdu le contact - dans un monde délabré et souffrant - qui se cherche - en repartant de zéro. Épuisé, épuisé, maigre, nu. Errant sans but dans la foule. Un homme inquiet à propos d'un homme qui souffre de la terreur d'un homme. S'affirmant ces derniers temps dans une position hiératique de la plus haute élégance. Le pathos d’un épuisement extrême, d’une personnalité qui a perdu le contact. L’homme au pilier de ses contradictions ne se sacrifie plus. Brûlé. Vous avez raison, cher ami. L’homme sur le trottoir est comme du fer en fusion ; il ne peut pas soulever ses jambes lourdes. A commencer par la sculpture grecque, avec Laurent et Maillol, l'homme brûlé vif ! Il est indéniable qu'après Nietzsche et Baudelaire la destruction des valeurs s'est accélérée... Ils ont creusé autour de lui, ses valeurs, lui ont mis sous la peau et tout ça pour alimenter le feu ? Non seulement l’homme n’a rien, mais il n’est rien de plus que son Soi. »
Dans la sculpture du Giacometti mature, il s'occupait du problème du rapport entre volumes et masses, du mystère de la figure humaine, en peinture et en dessin - du problème de la profondeur spatiale, du mystère du visage humain.
Dans la ville de Cure, où est mort Alberto Giacometti, une des rues porte son nom (en allemand : Giacomettistrasse). Présenté sur le billet de 100 francs suisses.
Les œuvres d'Alberto Giacometti sont très appréciées sur le marché de l'art. En février 2010, lors des ventes aux enchères de Sotheby's à Londres, la sculpture « Man Walking I » de Giacometti a été vendue pour un montant record pour les œuvres d'art de l'époque, soit 65 millions de livres sterling (plus de 104 millions de dollars).
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