Au moins, le chouchou de la mode aux ailes claires n’est pas britannique. A.S. Pouchkine dans les beaux-arts. le chouchou de la mode aux ailes légères, bien que ni britannique ni française, vous avez recréé, cher sorcier, moi, un animal de compagnie des purs. Analyse du poème de Pouchkine "Kiprensky"

06.02.2022 | Blessures

"Kiprensky" Alexandre Pouchkine

Le favori de la mode aux ailes légères,
Bien qu'il ne soit ni britannique, ni français,
Tu as recréé, cher sorcier,
Moi, l'animal de compagnie des pures muses, -
Et je ris de ma tombe
Libéré à jamais des liens mortels.

Je me vois comme dans un miroir,
Mais ce miroir me flatte.
Il dit que je ne vais pas humilier
Prédilections d'aonides importants.
Alors à Rome, Dresde, Paris
Désormais, mon apparence sera connue.

Analyse du poème de Pouchkine "Kiprensky"

L'auteur, critique sur son apparence, faisait rarement réaliser ses propres portraits. Une exception n'a été faite que pour l'œuvre de Kiprensky, écrite en 1827. Après le décès du client de l'œuvre, « ledit frère » Delvig, le poète a acheté le tableau à la veuve. Selon les souvenirs d’amis, le portrait du propriétaire de la maison se détachait du reste de l’intérieur du dernier appartement de Pouchkine à Saint-Pétersbourg.

De cette période remonte une réponse poétique, dans laquelle la réaction de la personne représentée est véhiculée. Agréable surprise et gratitude, admiration pour le travail du maître, telles sont les émotions entendues dans l'œuvre analysée.

Le texte de Pouchkine est également intéressant car il reflète les sujets de conversations entre deux contemporains talentueux. Ils concernaient les caprices de la mode laïque en matière de créativité artistique. La société donne souvent la préférence aux étrangers, ignorant les maîtres russes qui ne sont pas moins dignes d'éloges. Cette idée est soulignée au début de l’œuvre : les capacités du destinataire lyrique ont été améliorées par l’école académique nationale et les succès du peintre ont été obtenus malgré son origine « non prestigieuse ». "Magicien", "favori de la mode" - le sujet de discours admiratif ne lésine pas sur les compliments adressés à l'interprète doué.

Après avoir exprimé sa gratitude au maître, le héros lyrique se tourne vers les impressions inspirées par le tableau, et le reste du poème est consacré à ce sujet. Le modèle regarde la toile comme dans un miroir, voyant à la fois les similitudes et les différences dans le portrait. Les réflexions sur ces dernières donnent lieu au motif de flatterie. Dans ce fragment, l'auteur exprime l'opinion bien connue selon laquelle l'artiste a lissé les traits de l'apparence inhabituelle du poète, en se concentrant sur les yeux - vifs, réfléchis, transmettant le cours d'une pensée sublime.

Une conclusion sans ambiguïté est formulée : le peintre a créé l'image d'un véritable poète, le bien-aimé « animal de compagnie des muses ». L'image peut être exposée au public : elle n'offensera pas les goûts raffinés des muses mécènes « importantes ». En d’autres termes, l’œuvre est conforme aux idées idéalisées sur le porteur du don poétique.

Il est naturel qu'apparaissent les motifs de reconnaissance et d'immortalité, qui s'intensifient à la fin des deux lignes de six vers. Le héros est satisfait du résultat : avec l'aide d'un sosie pittoresque, il pourra se débarrasser de l'oppression des « liens mortels » et devenir reconnaissable non seulement parmi les admirateurs nationaux, mais aussi à l'étranger.

Pendant de nombreuses années, la peinture a été le seul moyen de capturer l’image d’une personne au fil des siècles. Et le talent de l’artiste a joué un rôle énorme pour ceux qui voulaient laisser leur marque dans l’histoire. Souvent, un portrait exécuté avec talent apportait au peintre une telle renommée qu'il lui survivait.

Orest Adamovitch Kiprensky connu comme l'un des portraitistes les plus doués du XIXe siècle. Il est l'un des rares peintres russes dont les talents furent reconnus à l'étranger de son vivant. L'autoportrait de Kiprensky est conservé à la Galerie des Offices, avec des œuvres d'autres artistes éminents.

Le sort d’Orest Kiprensky fut remarquable à bien des égards. Il est né le 24 mars 1782 dans le district d'Oranienbaum dans une famille de serfs. Le fils d'un homme de cour ne verra peut-être jamais le monde en dehors de sa province natale de Saint-Pétersbourg. Cependant, les étoiles se sont alignées de telle manière que le propriétaire terrien Dyakonov, qui a marié la mère d'Oreste à son serviteur Adam Schwalbe, a vu germer un grand talent chez le garçon. Impressionné par cette découverte, il signe son certificat de liberté et, à l'âge de six ans, il l'envoie étudier à l'École pédagogique de l'Académie des Arts. Ce billet pour la vie et, peut-être, le nom d'Orest - un hommage aux tendances du classicisme de l'époque - c'est tout ce que le jeune Kiprensky devait à Dyakonov. Le nom de famille de l’artiste lui-même est un pseudonyme pris plus tard. La rumeur persistante selon laquelle Diakonov serait le père du garçon n’est qu’un des nombreux faits non confirmés dans la biographie du peintre.

Au fil des années d'études, Orest Kiprensky s'est montré brillamment dans de nombreux domaines. Dans le cours de peinture historique, ses mentors étaient le célèbre G.I. Ugryumov et maître de la peinture décorative G.F. Doyen. Pour son travail de fin d'études « Dmitri Donskoï sur le champ de Koulikovo » en 1805, l'Académie lui décerna une grande médaille d'or, ainsi que le droit à une pension étrangère.

Mais les guerres napoléoniennes faisaient rage en Europe et la situation était loin d'être calme. Par conséquent, Kiprensky est resté à Moscou, améliorant son style. Plus tard, il passe néanmoins plusieurs années à l'étranger, démontrant ses œuvres lors d'expositions en Italie et dans des salons français.

Peut-être que tous nos contemporains ne connaissent pas le nom de famille Kiprensky, mais le portrait d'Alexandre Sergueïevitch Pouchkine - l'une de ses œuvres les plus célèbres - est certainement connu de beaucoup.

Le poète lui-même était satisfait de la vision de l’artiste et lui a même dédié plusieurs lignes :

Le favori de la mode aux ailes légères,
Bien qu'il ne soit ni britannique, ni français,
Tu as recréé, cher sorcier,
Moi, l'animal de compagnie des pures muses...

Je me vois comme dans un miroir,
Mais ce miroir me flatte...
...Alors à Rome, Dresde, Paris
Désormais, mon apparence sera connue...

Une autre œuvre reconnaissable du peintre est un portrait féminin représentant le personnage principal de l’histoire du même nom de Karamzine « Pauvre Liza ».

Les deux tableaux datent de la période de maturité de l’artiste, alors qu’il avait déjà acquis son propre style, développé au fil des années de travail acharné. Quant aux premières œuvres, l'influence des maîtres flamands y est clairement visible et leur caractère diffère considérablement des portraits ultérieurs.

L'un d'eux était un portrait du père de l'artiste, Adam Schwalbe. Exposée en 1830 lors d'une exposition à Naples, elle fit sensation parmi les amateurs d'art. L'œuvre a été attribuée à de nombreux maîtres, par exemple, en citant le fait qu'aucun portraitiste moderne n'est capable de peindre de cette manière. Ce fut avec beaucoup de difficulté que Kiprensky parvint à convaincre les critiques de sa paternité.

Il est d'autant plus surprenant qu'un homme si doué en portrait ait considéré toute sa vie la peinture historique comme sa reconnaissance.

L'artiste a passé près de dix ans – de 1813 à 1822 – en Italie. Cette période s’avère être l’une des plus fructueuses. Les œuvres qu'il peint sont appréciées du public européen, les commandes se succèdent et, en 1820, on lui propose de peindre un autoportrait pour la Galerie des Offices.

Le retour à la maison ne fut pas si triomphal. Les peintures créées en Italie étaient tardives et en Russie il n'y avait plus le même succès. Certes, après la stagnation, le nom de Kiprensky a résonné, mais pas pour longtemps. C’est à cette époque que fut réalisé le célèbre portrait de Pouchkine.

Mais au fond, l’artiste avait hâte de retourner en Italie. Et ce n’était pas du tout une question de reconnaissance et de gloire : la fille du modèle de Kiprensky, la jeune Mariuccia (Anna-Maria Falkucci), grandissait dans l’un des orphelinats du monastère. Pour elle, l'artiste déjà d'âge moyen a quitté pour toujours son pays natal en 1828, où la gloire lui est finalement revenue, et s'est même converti au catholicisme. Mais le bonheur familial fut de courte durée. Sa vie touchait déjà à sa fin.

Orest Adamovich Kiprensky est décédé des suites d'une longue maladie le 17 octobre 1936. Après sa mort, sa fille Clotilde naît. Mais sur son sort, comme sur celui de l’épouse de Kiprensky, aucune information n’a survécu jusqu’à nos jours.

L'héritage créatif de Kiprensky est énorme. Il comprend des centaines de portraits de personnages célèbres de cette époque, peints dans son style inimitable. Parmi elles se trouvent des images de V.A. Joukovski, comtesse Rostopchina, E.V. Davydova. De nombreux croquis au crayon d'enfants de paysans ont également survécu. Le style, évoluant au fil du temps, acquiert de nouvelles caractéristiques et reflète l'expérience de vie de l'artiste à toutes les étapes de son parcours créatif. Il est difficile de surestimer la contribution à l’art de personnes comme Kiprensky. L'inscription sur sa pierre tombale à Rome dit :

« En l'honneur et à la mémoire d'Orest Kiprensky, le plus célèbre des artistes russes, professeur et conseiller de l'Académie impériale des arts de Saint-Pétersbourg et membre de l'Académie de Naples, les artistes, architectes et sculpteurs russes vivant à Rome, pleurent l'extinction prématurée lumière de leur peuple et âme si vertueuse..."

« Le favori de la mode aux ailes claires... » Orest Kiprensky (1782-1836)

Il y a tellement d’informations utiles sur l’époque de Kiprensky dans un court message du grand poète à un artiste célèbre :

Le favori de la mode aux ailes légères,

Bien qu'il ne soit ni britannique, ni français,

Tu as recréé, cher sorcier,

Moi, l'animal de compagnie des pures muses...

La première ligne contient des informations sur la popularité d'Orest Kiprensky en tant que « peintre préféré du public russe », la seconde mentionne le fait que, malgré la mode répandue dans la société russe dans la première moitié du XIXe siècle, pour commander des portraits aux Britanniques et aux Français, notamment Kiprensky, sur ordre de Delvig, fut chargé en 1827 de peindre un portrait de Pouchkine.

Et puis il y a l’énigme avec laquelle les chercheurs se débattent depuis des décennies : « Il a encore créé »... Kiprensky possédait-il donc plusieurs portraits de Pouchkine ? Cependant, un seul est connu, le manuel, célèbre...

Cependant, il y a des mystères même dans la date de naissance et de décès : ils ont enregistré avec précision l'anniversaire du bébé, étant donné qu'il est né de la fille de la cour Anna Gavrilova, ce qui a ensuite été indiqué dans le registre des naissances : l'enfant était illégitime. Quant à la mort, les auteurs modernes I. Bocharov et Y. Glushakova, après avoir examiné le « Livre des Morts » de l'église de Sant Andrea delle Fratte en Italie, à Rome, non loin de la célèbre place d'Espagne, où l'artiste est mort dans la rue Grégorienne voisine, a prouvé que ce qui s'est passé n'est pas le 5/17 octobre 1836, mais le 12/24 octobre.

Des millions de nos compatriotes connaissent le portrait de Pouchkine par Kiprensky depuis leur enfance. Je me souviens que l'auteur est un artiste russe. Mais c’est pourquoi son nom, son patronyme et son prénom ne sont pas russes – même s’ils le savaient, ils l’ont oublié.

Dans nos essais, nous essayons non seulement de reproduire certaines pages de l'histoire de l'État russe et de la culture russe, mais aussi de montrer comment, d'une part, l'époque a influencé la biographie et l'œuvre de l'artiste et, d'autre part, comment la créativité du maître a influencé l'époque. Et peu importe si l'artiste a « vacillé » avec la ligne décrivant l'époque ou en a « éclaté », qu'il y ait laissé une trace profonde, comme un objet enfoncé dans une masse de pâte à modeler, ou qu'il ait seulement touché l'époque avec son vie et biographie , - les grands maîtres culturels ont toujours conquis leur « niche » à l'époque et sont ainsi restés dans l'histoire.

Le destin et la créativité d'Orest Kiprensky, comme on dit, étaient adaptés à l'époque. Dans sa vie, il y avait une dramaturgie de contradictions : entre le servage et les plus hauts sommets des lumières et de la culture russes ; noble noblesse et entêtement commun... Dans la vie de Kiprensky, il y a une combinaison bizarre du romantisme de la vie avec l'amour et la mort tragiques dissous dans les rumeurs et les légendes, avec le réalisme laissé pour l'étude de l'histoire de la patrie par les descendants de la galerie réaliste de portraits de ses contemporains.

Cet artiste était adoré de l'impératrice, il était très apprécié du souverain, qui lui achetait des tableaux, tandis qu'il était détesté par certains hauts rangs de la culture et des lumières ; il était adoré des Italiens et offensé par les dirigeants de l'Académie des Arts. Il fut le premier artiste russe à obtenir la plus haute reconnaissance à l'étranger (on l'appelait le « Van Dyck russe »), il fut élu membre de l'Académie des Arts de Florence et il fut le premier peintre russe à recevoir le grand honneur d'être demandé de réaliser un autoportrait pour la célèbre Galerie des Offices à Florence, d'ailleurs, contrairement aux autoportraits d'autres maîtres russes réalisés plus tard, son œuvre se trouvait dans l'exposition permanente du musée, et non dans les réserves...

Il est devenu Grand ! Et il a commencé sa vie, il l’a considérée comme « insignifiante ».

Quoi de plus terrible que de naître dans la Russie féodale d'un serf, d'une fille de cour. Cependant, j'ai eu de la chance. Sa mère Anna Gavrilova était une femme agréable et jolie, qui a attiré l'attention de son propriétaire, propriétaire foncier et contremaître (rang, si le lecteur s'en souvient, quelque part entre colonel et général) Alexei Stepanovich Dyakonov, propriétaire d'un domaine près de la ville de Koporye. C'était un homme éclairé et gentil et il a donné la liberté à son fils et à sa mère. En tant qu'homme cultivé, il a donné à son fils un nom « élégant », littéraire - Oreste, et lors de l'inscription dans le registre des naissances, il a ordonné que le nom de famille soit donné en fonction de la localité - Koporsky, qui serait plus tard devenu Kiprenski. Selon une autre version, Oreste aurait été immédiatement enregistré par Kiprensky, ce qui signifiait le fils de Cypris, l'ancienne déesse de la beauté et de l'amour. La deuxième version semble non seulement logique (depuis Oreste, alors fils de Cypris), mais fait également écho à la biographie du maître - car il connaissait l'amour passionné et, selon une version, mutuel, et comprenait le sens de la beauté, comme en témoigne ses nombreuses œuvres d’un savoir-faire étonnant.

Très probablement, Oreste a tenu sa douceur de caractère et sa gentillesse de sa mère et de son père - son intérêt et son amour pour les sciences humaines et les arts. D'après les mémoires de ses contemporains, par exemple, d'après les paroles de Vladimir Tolbin, qui vingt ans après la mort de Kiprensky a publié sa première biographie dans le journal « Fils de la patrie », il est devenu connu que l'artiste était un artiste aux multiples facettes, capable, instruit, personne spirituelle et joyeuse. "Il reste à regretter qu'il n'y ait aucune opportunité<…>présente Kiprensky de l'autre côté de son talent - du côté de ses tentatives en poésie et en littérature, dans lesquelles il a également testé sa force, se plongeant dans la satire, puis dans l'élégie, se manifestant tantôt dans une ode, tantôt dans un madrigal. " Selon le biographe (et il est difficile d'être en désaccord avec lui, car toute l'histoire de l'art montre que l'éducation n'a jamais nui aux artistes), la culture polyvalente de Kiprensky a contribué le plus directement à ses réalisations artistiques...

Et encore une chose... C'est peut-être une question de gènes, de caractère, peut-être d'autres circonstances, un environnement différent... Mais V.A. Tropinin, également fils d'une paysanne serf, réalisant l'ampleur de son talent, n'était pas un ambitieux personne. Kiprensky - l'était. Qu'il s'agisse d'une combinaison de fierté héritée de son père noble, de confiance en soi et de timidité et de contrainte héritées d'une « fille de la cour », mais chez Kiprensky, cette combinaison a produit un mélange explosif.

Caractérisant la détermination et l'ambition de l'artiste Kiprensky, inhabituelles même parmi les maîtres russes talentueux, Vladimir Tolbin écrivait en 1856 : « Il semblait qu'il voulait laisser derrière lui, en souvenir pour la postérité, seulement ce qui était inaccessible à la volonté et aux efforts. d’un mortel ordinaire surdoué. Selon le biographe, il est difficile de trouver un autre exemple dans l'histoire de l'art mondial dans lequel un artiste a progressé aussi rapidement vers les objectifs qu'il s'était fixés. "Comme un gladiateur romain, défendant le terrain qu'il occupait autrefois jusqu'au dernier épuisement de ses forces..."

Le noble père s'occupait du sort de son fils. Il a non seulement supervisé son éducation, mais lui a également donné le statut nécessaire à la vie en épousant sa maîtresse serf, qui avait obtenu sa liberté, avec Adam Karlovich Schwalbe. Comment ce gentleman allemand s'est lui-même retrouvé dans le servage reste un mystère non résolu. Nous sommes intéressés par autre chose. En 1804, Orest Kiprensky peindra un portrait de son père officiel sous la forme d'un vieillard « Rembrandt », à la manière d'un portrait d'apparat du XVIIe siècle. Et ce portrait, acquis plus tard par l'empereur et aujourd'hui conservé au Musée russe de Saint-Pétersbourg, deviendra l'un des portraits les plus dramatiques, voire tragiques, de l'histoire de la peinture russe. Le servage n'a pas permis à une nature puissante et passionnée de se manifester : dans les traits d'un visage fort et dans le regard - la douleur, le tourment d'une personnalité remarquable et non réalisée. Ce n’est pas le cas des autoportraits de Kiprensky. Ils sont harmonieux et calmes. Dans son regard, il y a la tranquillité d'esprit et l'acceptation du monde qui l'entoure. Toute la douleur que suscite le manque de liberté (et lui, Kiprensky, était destiné à la vivre à plusieurs reprises dans sa vie, mais pas aussi clairement que son père adoptif), l'artiste semble l'avoir mise dans le portrait d'Adam Schwalbe.

Les historiens de l'art aiment spéculer sur le mystère du portrait d'Eug. Davydov... Il est extrêmement tentant, à partir du tableau « Fille dans une couronne de coquelicots (Mariuccia) », conservé dans la galerie Tretiakov, d'écrire dans le style de « Lolita » une nouvelle sur l'amour passionné d'Orest Kiprensky pour un jeune Femme italienne, sur sa participation à son destin, sur son mariage ultérieur avec la grande « fiancée » et leur vie courte et, selon une version, très dramatique...

Même le portrait de Pouchkine dans les manuels contient au moins un secret : combien y avait-il de portraits de Pouchkine ?

Pour moi, le plus dramatique et le plus mystérieux de toute ma biographie créative et l'un des plus grands en termes de capacité à transmettre le drame intérieur d'une personne reste le portrait de A. Schwalbe avec sa main douloureusement serrée autour d'un ancien bâton et son des yeux tournés vers le vide, pleins de mélancolie.

Comment son père de sang, le contremaître A.S. Dyakonov, a-t-il vu le futur artiste chez un très jeune garçon ? Dieu seul le sait. Les chercheurs suggèrent que, éprouvant un intérêt paternel pour le garçon, le père contremaître lui a permis de jouer dans le manoir, où le jeune Oreste pouvait voir sur les murs les portraits de ses ancêtres, traditionnels dans un domaine noble. La version est tout à fait possible. Un moment étonnant est remarquable.

Dans les documents sur la nomination d'Orest à l'Académie des Arts pour l'éducation, il est écrit que le nom de famille Kipreysky, modifié plus tard en Kiprensky, a été pris à la demande du garçon lui-même. Et il n’avait que cinq ans à cette époque. C’est à cet âge qu’il commence à s’intéresser au dessin et à la peinture. Et le contremaître A.S. Dyakonov l'a personnellement emmené à l'Académie.

Le personnage du jeune homme apparemment doux et timide était tout aussi indépendant et indépendant des années plus tard, lorsqu'il « lança un tour », dont on se souvint longtemps entre les murs de l'Académie.

Le jour de son anniversaire, le 13 mars 1799, lors d'un défilé devant le Palais d'Hiver, Oreste se jette aux pieds de Paul Ier, suppliant d'être libéré pour le service militaire. Selon une version, la raison de cet acte résidait dans la jeune fille dont Oreste était amoureux et qui aimait l'uniforme militaire. Considérant que l'amour passionné fonctionnera comme un refrain dur tout au long de sa vie d'adulte, cette version est possible. Cependant, quelque chose d'autre est plus probable : Oreste était encore plus passionné dans ses rêves ambitieux. Il ne savait pas qu'il était destiné à devenir un grand artiste. Et je ne voulais pas attendre. Dans les affaires militaires, on pouvait devenir célèbre plus rapidement... Orest Kiprensky était toujours prêt à prendre un tournant décisif dans son destin...

Ambitieux, impétueux, ambitieux, il serait fort probablement devenu un excellent officier. Et Dieu merci, cela ne s'est pas produit. Il y a toujours eu suffisamment de défenseurs de la Patrie en Russie. Il ne peut jamais y avoir trop de créateurs culturels du calibre de Kiprensky.

Il a également eu la chance que son passage à l'Académie ait coïncidé avec d'importantes réformes dans cet établissement d'enseignement unique : après 1802, de nouvelles disciplines ont été introduites - l'histoire de l'art et l'esthétique ; Une plus grande attention est accordée à l'étude de l'histoire, de la littérature et de la géographie russes. Les étudiants sont initiés à « la lecture interprétative des historiens et des poètes pour l’éducation du goût et l’imitation de la beauté trouvée dans leurs créations ».

A l'origine de ces réformes se trouvait le comte A. S. Stroganov, qui dirigeait l'Académie des Arts en 1800, qui aimait et connaissait sincèrement l'art et se souciait de son développement en Russie. Véritable patriote de sa patrie, il a pris des mesures pour que les jeunes artistes créent des œuvres sur des thèmes de la vie et de l'histoire nationales. En décembre 1802, le Conseil de l'Académie adopta un projet visant à développer des programmes spéciaux pour les artistes et les sculpteurs dans le but de « glorifier les hommes et les incidents nationaux mémorables ». Sous la direction du célèbre peintre historique, le professeur G.I. Ugryumov et du français G.-F., qui dirigeait le cours de peinture historique. Le doyen Orest Kiprensky dresse le tableau historique de « Dmitri Donskoï après avoir remporté la victoire sur Mamai ». Et il reçut même sa première médaille d'or en 1805. Cependant, il devient évident, tant pour lui que pour ses proches - professeurs et camarades étudiants - qu'il n'est doué que pour décrire des « incidents mémorables » à un niveau professionnel. Pas plus haut. Il fait de véritables découvertes dans la représentation des « hommes domestiques mémorables ».

En 1804, il réalise le portrait déjà mentionné de son père adoptif, Adam Schwalbe, que les historiens de l'art italiens célèbres plus tard, après l'exposition de 1830 à Naples, attribuent aux pinceaux de Rubens et même de Rembrandt.

Suivant les conseils de ses professeurs, dès sa sortie de l'Académie, Orest Kiprensky se consacre presque entièrement à un genre, précisément celui dans lequel il était destiné à écrire une page d'or dans l'histoire de la peinture mondiale : l'art du portrait. Selon les observations des historiens de l'art, Kiprensky fut le premier artiste russe qui, avec d'autres représentants de l'intelligentsia russe de son temps, créa toute une galerie de portraits d'écrivains, avec lesquels il était ami, rencontrait, correspondait - Pouchkine , Joukovski, Viazemski, Krylov, Karamzine, Batyushkov, Gnedich et autres. À propos, Kiprensky était l'un des artistes russes les plus instruits - dès son plus jeune âge, il était un habitué des bibliothèques, en particulier un lecteur régulier de la bibliothèque de l'Académie des Arts, célèbre pour sa sélection de livres. sur l'histoire de la littérature, de l'art et de l'histoire. Durant ses années d'étudiant, il lit non seulement Lomonossov, Shcherbatov, Sumarokov, mais aussi Voltaire, Molière, Racine.

Dans ce contexte, il semble extrêmement intéressant de citer l'opinion du merveilleux écrivain russe K. Paustovsky à propos d'Orest Kiprensky.

"... Chaque visage", écrivait notre contemporain à propos des portraits de l'artiste du début du XIXe siècle, "transmettait une image intérieure complète d'une personne, les traits les plus remarquables de son caractère". Je pense qu’il serait intéressant pour mes lecteurs intéressés par l’œuvre de Kiprensky dans le contexte de son époque de relire la nouvelle « Orest Kiprensky » de K. Paustovsky.

L’étude des portraits de Kiprensky, comme le note avec précision l’écrivain, provoque le même enthousiasme que si l’on avait une longue conversation avec de nombreux généraux, écrivains, poètes et femmes du début du XIXe siècle. Dans ses portraits, il n'y a pas seulement des visages, mais, pour ainsi dire, toute la vie des personnes qu'il a peintes - leurs souffrances, leurs impulsions, leur courage et leur amour. L’un des contemporains de Kiprensky a déclaré que lorsqu’il était seul avec ses portraits, il entendait les voix des gens.

Et encore une fois, je répéterai ma thèse préférée, cette fois en relation avec Kiprensky : on ne peut pas étudier l'histoire de la Russie, en l'occurrence la première moitié du XIXe siècle, uniquement à partir des portraits de Kiprensky. Cependant, un historiographe consciencieux ne peut plus s’en passer.

La galerie de portraits de Kiprensky est extrêmement vaste et diversifiée : il a peint lui-même, sa bien-aimée et future épouse Mariuccia, les enfants d'autres personnes... Il a représenté ses contemporains, qu'ils fassent partie de son cercle d'amis, qu'ils soient vénérés par lui ou qu'ils soient des clients ordinaires et (besoin forcé) ne lui inspiraient pas de sympathie. Il a écrit des poètes, des prosateurs, des fonctionnaires, des souverains et des impératrices, des généraux et des marchands, des acteurs et des paysans, des marins et des sculpteurs, des détourneurs de fonds et des décembristes, des maçons et des collectionneurs, des architectes et des beautés.

De plus, en accordant une attention particulière à la transmission du caractère et de l'âme de la personne représentée et en nous laissant ainsi, à nous, historiens, les informations les plus précieuses sur la vie spirituelle et la morale de son temps, il était très précis dans les détails (et cela, semble-t-il, moi, c'est ce que les critiques d'art lui ont injustement reproché), essayant de donner à chaque personne représentée son propre attribut inhérent, de transmettre avec précision les détails du costume, de l'uniforme, des ordres du spectacle, et nous laissant ainsi un matériel iconographique énorme et extrêmement utile comme support source historique inestimable de l’époque.

Quelles personnes différentes, mais quelles personnes importantes - Pouchkine et Krylov, Batyushkov et le poète Kozlov, Rostopchin et la comtesse Kochubey, le connaisseur d'art Olenin et Golenishchev-Kutuzov, les francs-maçons Komarovsky et Golitsyn, l'amiral Kushelev, partisan Figner, traducteur de l'Iliade Gnedich, constructeur de le port d'Odessa de Volland, le décembriste Mouravyov, les poètes Viazemski et Joukovski, l'architecte Quarenghi.

Le sort du portraitiste Kiprensky a, selon toute vraisemblance, été discerné par le président de l'Académie, Alexandre Sergueïevitch Stroganov, sur la recommandation duquel il a été retenu à l'Académie pendant encore trois ans, déjà à la retraite, pour préparer le travail pour le concours. pour la Grande Médaille d'Or.

Le 1er septembre 1803, Kiprensky reçut un certificat de premier diplôme et une épée, signe de noble dignité, décernée aux diplômés de l'Académie. En tant que retraité, il a reçu le droit à un atelier séparé et à la réalisation de commandes rémunérées - parallèlement à la préparation du tableau du concours. De plus, à en juger par le fait qu'au cours de ces années, Kiprensky a représenté principalement des personnes proches de lui et agréables - le père adoptif d'Adam Schwalbe, le contremaître G. I. Zhukov, qui a hérité du manoir Nezhinskaya, où l'artiste est né, après la mort de A. S. Dyakonov ; peintre paysagiste S. F. Shchedrin, - il n'a pas peint de portraits pour gagner de l'argent. Au total, en 1807, il avait réalisé 11 portraits, dont seul le portrait de A. Schwalbe a survécu à ce jour. Mais plus tard – 1808-1809. - de véritables chefs-d'œuvre ont déjà été conservés, désormais conservés au Musée national russe de Saint-Pétersbourg. Ainsi, en 1808, son amitié commence avec le célèbre collectionneur et philanthrope A.R. Tomilov, dont la maison était l'un des centres de culture artistique dans le premier quart du XIXe siècle, et un excellent portrait de lui fut réalisé. La même année, de beaux portraits de A. V. Shcherbatova et P. P. Shcherbatov, A. I. Korsakov, « Autoportrait » (vers 1809, conservé dans la « Galerie Tretiakov ») et des portraits du père et du fils Kusov. Les derniers portraits sont si curieux du point de vue du reflet de la vie et des coutumes de l'époque dans le portrait qu'ils nécessitent au moins un court arrêt...

Le paradoxe est que, peut-être, de toutes les personnes représentées par Orest Kiprensky, Ivan Vasilyevich Kusov était peut-être la personne la plus ordinaire et la moins intéressante. En même temps, I. Kusov est, dans le langage de l'histoire de l'art européen, un exemple typique de donateur. Autrement dit, il était un riche client de peintures ou de portraits de famille. En 1808, l'artiste pauvre, bien que déjà célèbre, ne pouvait refuser une offre lucrative et flatteuse : peindre le portrait d'un marchand millionnaire et de ses nombreux membres de sa maison. Kiprensky s'est donc retrouvé sur l'île Krestovsky à Saint-Pétersbourg, dans la datcha des Kusov. Le célèbre millionnaire avait les faveurs du tsar Alexandre Ier lui-même, voisin de la datcha du marchand (le palais du tsar se trouvait sur l'île de Kamenny, mais les deux îles étaient reliées par ordre de Son Altesse par un pont). De plus, selon les contemporains, l'empereur prenait souvent ses repas avec la famille Kusovo. Le fils d'un millionnaire était marié à la fille d'un noble pauvre, cousin de Vigel, bonne connaissance de Kiprensky. Cependant, le sort dramatique de la jeune fille ne doit pas nous distraire de l’essentiel : le portrait de Kusov réalisé par le jeune artiste s’est avéré étonnant. Le fait est qu'il a réussi à la fois à plaire aux goûts du millionnaire, en lui donnant une stature et une signification nobles, et en même temps à introduire une certaine caricature, ou du moins de l'ironie, dans le portrait d'apparat, réalisé dans les meilleures traditions de l'époque. XVIIIe - début XIXe siècles. Le marchand-conseiller, lauréat de nombreuses commandes, n'avait ni formation approfondie ni culture profonde, et il est peu probable qu'au cours de sa vie il ait lu un millième des livres lus par l'auteur du portrait lui-même. Cependant, avec l'imagination fantaisiste d'un portraitiste, le commerçant tient entre ses mains un livre ouvert, qui devrait souligner son illumination. Il était alors d'usage d'utiliser un attribut du métier - une pièce, un objet, un outil - pour souligner le domaine d'activité dans lequel le client était engagé. Il était impossible de trouver autre chose qu'un livre du monde spirituel du marchand Kusov.

Le fait qu'il s'agisse d'un caprice absolu du maître ironique, qui caractérise à sa manière son attitude envers les portraits commandés, est également indiqué par le fait que dans les images de son ami, critique d'art, philanthrope A.R. Tomilin et A.I., écrites avec amour et respect pour les portraits. Korsakov, il utilise également les attributs de leurs métiers, dans le premier cas - une miniature à la main, dans le second - un dessin du Corps des Mines. Parallèlement, il peint « L'artiste aux pinceaux derrière l'oreille » - un portrait du peintre, qui pendant près d'un siècle a été attribué à un autoportrait. Et encore une fois, un attribut de la profession. Mais dans tous les cas, à l'exception du portrait de Kusov, sans ironie. Aussi, voyez-vous, signe du siècle, une sorte d'opposition interne de l'intelligentsia créatrice, Frond, éloignement des « nouveaux Russes » de leur époque... Peu avant la guerre de 1812, Kiprensky fut envoyé à Moscou. À première vue, un voyage d’affaires est plus qu’étrange.

"Pour aider le professeur agrégé I.P. Martos" - pour les travaux sur le monument à Minine et Pojarski. Le court voyage de l’un des meilleurs, sinon le meilleur, dessinateur de son temps s’est avéré non seulement peu fastidieux, mais aussi très utile. Liberté du contrôle de l'Académie, nouvelles rencontres et impressions.

De Moscou, il a déménagé à Tver, où vivait à cette époque la fille de Paul Ier, la princesse Ekaterina Pavlovna. Elle a invité Kiprensky à travailler. Le palais de la princesse était à cette époque, selon K. Paustovsky, une sorte de club littéraire et artistique - de nombreuses personnalités remarquables de la culture russe y visitaient, travaillaient et socialisaient. Et Moscou est à proximité...

I. Bocharov et Y. Glushakova, dans leur livre sur Kiprensky, remarquent avec précision un trait important de la vie artistique de la Russie d'avant la réforme. Un cercle restreint des personnes les plus instruites de leur époque, pour la plupart des nobles, souvent de haute naissance, étaient réticents à accepter les nouveaux riches, les parvenus ou, pour le moins, les roturiers. Surtout à Saint-Pétersbourg. Le salon Stroganov, où le président de l’Académie présentait ses étudiants particulièrement doués, faisait des exceptions pour les génies sortis du « bas ». Le reste de Saint-Pétersbourg a été froidement repoussé, rejeté les « étrangers ». En règle générale, il fallait soit une origine noble, soit une renommée panrusse, de préférence les deux. Orest Kiprensky, diplômé hier de l'Académie, a jusqu'à présent eu du mal à s'intégrer dans ce cercle restreint de Saint-Pétersbourg. À Moscou, c'était plus facile, car traditionnellement «ne croyait pas aux larmes» et, acceptant «selon ses vêtements», elle l'accompagnait «selon son esprit». À Moscou, Kiprensky devint rapidement l'un des invités bienvenus dans de nombreux salons littéraires et artistiques. Il a rencontré des personnalités aussi remarquables de son temps que N. M. Karamzin, P. A. Vyazemsky, V. A. Zhukovsky, et en a peint des portraits, ce qui l'a rendu encore plus populaire dans le milieu artistique de Moscou... Moscou « élitiste » déjà à l'époque, et aujourd'hui – petite. Ses représentants au début du siècle communiquaient constamment entre eux - soit à l'Assemblée de la Noblesse, soit au Club Anglais, soit dans des salons célèbres. Le jeune artiste sociable et très doué devient rapidement célèbre dans ce « tout Moscou ». C'est également un travailleur acharné : il travaille rapidement et avec inspiration.

Ses portraits de Moscovites nobles et célèbres lui apportèrent bientôt non seulement la gloire, mais la renommée. Les portraits de ses mécènes moscovites, le comte Fiodor Vasilyevich Rostopchin et la comtesse Ekaterina Petrovna, ont été particulièrement réussis. Kiprensky s'est également lié d'amitié avec les frères Vladimir Denisovitch et Vasily Denisovich Davydov, a souvent visité la maison spacieuse de Vasily Davydov sur Prechistenka et dresse le portrait de ces nobles extraordinaires, purement moscovites. Quant aux fils de Vasily Denisovich, l'amitié avec eux était encore à venir - les fils Denis et Evdokim, le neveu Evgraf entreraient encore dans l'œuvre de Kiprensky, posant une énigme aux historiens de l'art - lequel des braves hommes et officiers des Davydov - Denis , Evdokim ou Evgraf - est représenté dans le célèbre portrait . Il est clair que ce n'est pas Denis - tous les portraits et mémoires de ses contemporains dressent un tableau complètement différent de ce fringant grognement et poète romantique. Historien de l'art russe E. N. Atsarkina dans les années 40. Déjà au XXe siècle, elle découvrit un document qui semblait faire la lumière sur ce mystère - en 1831, Kiprensky écrivit de Naples à Nicolas Ier pour lui demander de lui acheter certaines des peintures. La lettre mentionnait l'œuvre : « Portrait d'Ev. V. Davydov, en uniforme de hussard à vie, une photo presque en pied. Écrit en 1809 à Moscou." Pendant cent ans, on a cru que le portrait de Kiprensky était celui du poète et partisan Denis Davydov (malgré la dissemblance évidente des visages). Mais il s'avère, a suggéré avec assurance E. Atsarkina, qu'il s'agit de son frère, Evdokim. Et tout irait bien sans les pédants des historiens militaires. Ils ont raisonnablement noté qu'Evdokim était un garde de cavalerie et ne pouvait donc pas se montrer avec un mentik de hussard. On supposait que le « héros » du portrait de Kiprensky était le cousin de Denis et Evdokim, Evgraf Vladimirovich, qui, en 1809, avait le grade de colonel du régiment de hussards à vie. Mais il est également impossible de se prononcer définitivement sur cette version : le grade de l'officier ne peut être déterminé à partir du portrait. De plus, dans le portrait, il y a tellement d'inexactitudes dans l'uniforme de hussard représenté que le spécialiste moderne I.P. Shinkarenko a exprimé une hypothèse audacieuse - dans le portrait, c'est toujours le même Denis Davydov, car seul lui, en raison de son caractère « partisan » et de son insouciance poétique , pouvait déjà apparaître devant un peintre célèbre dans un costume composé d'un mélange de pièces de gardes et d'uniformes militaires. Soyons heureux que le tableau ait été préservé et n'ait pas péri avec d'autres portraits de la période moscovite dans l'incendie de 1812, et qui y figure est intéressant, bien sûr, mais pas si important. Il est important que le type même d'officier russe, un noble, un grognement fringant, d'une certaine manière déjà clairement un libre penseur, et certainement l'un de ceux qui ont gagné la guerre contre Napoléon, ait été précisément capturé. En mars 1812, après trois ans, qui comprenaient à la fois Tver et Moscou, Kiprensky retourna à Saint-Pétersbourg. Les portraits qu'il a présentés à l'Académie du prince Georg d'Oldenbourg, de l'officier Davydov, de I. A. Gagarine et de I. V. Kusov ont été accueillis avec respect et admiration par les professionnels. Il reçoit le titre d'académicien. Désormais, toutes les personnalités de la capitale s'efforcent de devenir l'un de ses « modèles ».

La médaille de gloire a au moins deux faces. "Kiprensky est devenu à la mode", a écrit K. Paustovsky dans sa nouvelle "Orest Kiprensky", tout comme les colliers de corail étaient à la mode à cette époque chez les femmes et les porte-clés "charivari" sonnants chez les hommes... Kiprensky (quel mot exact a été trouvé par Paustovsky )— plongé dans l’éclat de la gloire. Inspiré par la célébrité, il travaillait comme un possédé. Et peut-être qu'il se serait surmené et serait mort jeune, sans la décision de l'envoyer en voyage d'affaires à Rome - "pour améliorer ses compétences en peinture".

Il a déjà une renommée derrière lui. On s’attend à un succès encore plus grand à venir. Et pour un historien de l’art, une pause qui inclut le trajet de Saint-Pétersbourg à Rome est l’occasion de réfléchir et de comprendre ce que sa période pétersbourgeoise a laissé dans l’histoire de l’art russe.

Il s’agit tout d’abord d’une série de portraits au crayon de héros de la guerre de 1812-1814. – un immense matériel iconographique sur l’histoire de la Russie. Héros de guerre d'hier, décembristes de demain, futurs exilés... Les portraits des mêmes personnes, pris « avec une pause pour la guerre », sont particulièrement intéressants. Ce ne sont pas les costumes qui ont changé, mais que penser de la mode quand la Patrie change... Les visages des nobles russes ont changé. Après avoir traversé la mort et vu l'Europe, ils ont réfléchi au sort de leurs compatriotes.

À cet égard, les portraits de Nikita Muravyov, son parent, ami et collègue de la société secrète Mikhaïl Lunin, sont pleins d'une énorme énergie et d'un drame interne. Même dans le portrait du critique d’art Alexeï Tomilov, on retrouve cette inquiétude. Ce qui n'est pas surprenant - pendant la guerre, il a créé un détachement de partisans et s'est battu avec courage, comme le rappellent les ordres du portrait de Kiprensky. Il est étonnant de voir comment un artiste, qui lui-même n'a pas combattu, représente des héros de batailles sanglantes, des guerriers expérimentés - par exemple, le général Efim Ignatievich Chaplits, 45 ans, le héros de Shengraben, Austerlitz, Friedland - et, semble-t-il, un milicien intellectuel profondément civil, fils du directeur Bibliothèque publique d'A. N. Olenin - Piotr Alekseevich... Le portrait montre le sort de centaines de personnes comme lui. Sous ses yeux, son frère est mort au combat, lui-même s'est battu avec courage, mais la guerre est terminée - et il retournera à ses anciennes occupations civiles. Et quelque chose dans le caractère, dans le visage, dans le mode de vie va changer.

Peut-être que l’artiste Kiprensky, comme personne d’autre dans la peinture russe du XIXe siècle, a été capable de créer des biographies de personnes et de générations entières dans un portrait qui semblait ne capturer qu’un instant de la vie d’une personne.

La contribution d'O. Kiprensky à l'iconographie du XIXe siècle. tout simplement inestimable. Il n'est pas seulement attiré par les visages avec une biographie - des portraits de héros de guerre. Non moins intéressants du point de vue de l'étude de l'histoire de l'époque, à l'aide du « témoignage » du peintre et graphiste Orest Kiprensky, sont ses portraits féminins. Que vaut son portrait de Natasha, la fille de Viktor Pavlovich Kochubey, ministre de l'Intérieur de la Russie ? Et cette jolie fille nous intéresse non pas parce qu'elle est la fille d'un prince et d'un ministre, même si cela est aussi curieux dans le contexte de l'époque, mais parce qu'elle a été le premier objet d'amour.

A. S. Pouchkine. Nathalie en 1813-1815 a passé l'été à Tsarskoïe Selo, où O. Kiprensky l'a écrit. Natalie avait un an de moins que le poète et en 1813, elle avait 13 ans. Kiprensky a réussi à peindre l'image de la future beauté... En général, on ne peut qu'être d'accord avec les chercheurs de l'œuvre de Kiprensky qui croyaient qu'il, comme aucun autre maître du 19ème siècle, a su transmettre l'âme d'une jeune fille russe, d'une femme. «Ses images féminines ont étonnamment le caractère de Pouchkine, dans leur intégrité poétique», écrivent I. Bocharov et Yu. Glushakova dans la monographie «Kiprensky». Du charme juvénile de Natalie Kochubey à la beauté mature d'Ekaterina Semenova...

Kiprensky est lié à Semenova depuis des années de sympathie et d'amitié mutuelles - depuis le début des années 1800. jusqu'en 1826, date de son départ de la scène et de son déménagement à Moscou. Semenova était surnommée la grande actrice tragique de la « période décembriste de la culture russe », Pouchkine l'appréciait et elle était admirée par les nobles russes les plus éclairés et les plus « épris de liberté » du premier quart du siècle.

Bien sûr, en se dirigeant vers l'une des villes les plus romantiques de l'époque - Rome, Orest Kiprensky a également rappelé les portraits de l'actrice Semenova qu'il avait réalisés en Russie. Cette galerie des meilleurs portraits féminins comprend à la fois la comtesse Rostopchina et la fille du héros de l'assaut, Izmail Khvostov. Et devant, de retour de Rome, se trouve l'un de ses meilleurs portraits féminins - Daria Feodorovna Fikelmon, la petite-fille bien-aimée de Kutuzov, la charmante Dolly, la même dans le salon de laquelle Pouchkine à Saint-Pétersbourg lui a lu ses poèmes, l'épouse de l'envoyé autrichien ... Et encore, répétons-le : au XIXe siècle. et Moscou est une petite ville, et la Russie n'était pas grande pour les gens de leur entourage... Peut-être - une étrange ligne du destin - alors qu'il travaillait sur les portraits d'Ekaterina Semenova, Orest Kiprensky a rencontré pour la première fois le poète polonais Adam Mickiewicz. Mickiewicz, expulsé à cause de l'affaire Philomat, rencontra Kiprensky, peut-être dès le premier jour de son séjour à Saint-Pétersbourg, peut-être plus tard, mais certainement - entre le 8 et le 9 novembre 1824 et le 26 janvier 1825. Il s'agit de Mickiewicz de l'époque du « Dziadov », fraîchement sorti de prison et sous le choc personnel. C'est ainsi que Kiprensky l'a écrit, sanctifié par le feu intérieur. Cependant, il aurait pu rencontrer le poète chez E. Semenova, ou il aurait pu rencontrer le compatriote du poète, l’artiste Orlovsky. Les relations entre Saint-Pétersbourg officiel et la Pologne ne sont pas simples. Et pour Kiprensky : « les artistes sont tous frères ». Ils auraient pu se rencontrer parmi les décembristes - Mitskevich était tout aussi amical avec Ryleev et Alexander Bestuzhev que Kiprensky.

Ils se rencontreront des années après la création de l'un des meilleurs portraits de Mickiewicz - en Italie en 1829. Et ce n'est pas un hasard si en 1831, après la défaite des rebelles à Varsovie, Kiprensky réalisera l'un de ses tableaux les plus étranges - " Lecteurs de journaux à Naples ». Il l'enverra à Saint-Pétersbourg comme portrait de groupe de voyageurs russes. Mais pour les frontières russes, tout ici était plein de sens - le Vésuve en arrière-plan, symbole d'une explosion, d'un soulèvement et le portrait d'Adam Mickiewicz, facilement reconnaissable dans un groupe de voyageurs russes.

Le tableau était destiné au comte Dmitri Nikolaïevitch Sheremetev. Un scandale couvait. Mais cela ne s'est pas produit. Le roi aimait le tableau et personne à la cour n’y voyait d’allusions dangereuses. Le tableau ornait l’exposition de l’Académie impériale des arts. De plus, juste au cours de l'année du soulèvement de 1830, auquel Kiprensky fit face de manière si ambiguë, il reçut très miséricordieusement le titre de professeur de peinture historique et de portrait, « en tant qu'excellent artiste connu pour ses œuvres », ce qui donna le titre de conseiller « deux rangs plus élevés », à savoir la classe VII, qui, comme on le sait, a donné la noblesse à l'Empire russe. Apothéose. Le fils illégitime d'un noble russe est également devenu noble. Il est prêt à retourner dans son pays natal.

Et à Rome, il travaille sur des portraits du peuple russe et écrit - le portrait du prince Golitsyne, selon plusieurs experts, est l'un des portraits les plus poétiques de la peinture russe. Et encore un chef-d'œuvre - un portrait de la princesse Shcherbatova.

Tous deux appartiennent à une gamme extrêmement réfléchie, les deux portraits, selon les contemporains, avec une description inhabituellement précise des sujets représentés. Et dans ces deux portraits, il y avait quelque chose de très difficile à analyser, à analyser et à définir.

Ce furent hélas les derniers succès du grand artiste. Après eux, il "a écrit des choses sucrées et fausses - des propriétaires fonciers mièvres, des riches ennuyeux, des représentants de la noblesse indifférente", note Konstantin Paustovsky.

Une fois, il a refusé de peindre un portrait d'Arakcheev, invoquant le fait qu'il n'avait pas sur sa palette « la saleté et le sang » nécessaires pour un tel portrait...

Désormais il accepte, de retour à Saint-Pétersbourg, de peindre les portraits des enfants du tout-puissant Benckendorff. Les enfants sont des enfants partout. Cependant, écrire aux enfants du geôlier de ses amis pour un morceau de pain n'était pas dans l'air du temps.

Il redeviendra le vieux Kiprensky lorsqu'il reprendra le portrait de Pouchkine. C'était un travail proche du modèle. "L'artiste a conféré aux yeux une pureté, un éclat et une tranquillité presque inaccessibles, et a donné aux doigts du poète une délicatesse et une force nerveuses", a écrit K. Paustovsky.

Le portrait a été commandé par Delvig. Kiprensky a commencé à travailler à la fin du mois de mai, à la suite de Tropinine, qui a peint le poète au printemps 1827. Ceux qui ont vu le portrait lors de l'exposition de l'automne ont écrit: "... c'est un Pouchkine vivant". C'est ce que disaient les gens qui connaissaient bien le poète. C'est ce que répètent aujourd'hui avec confiance ceux qui n'ont vu Pouchkine que dans des portraits. Pouchkine lui-même l'a ressenti en dédiant ces lignes à Kiprensky :

Je me vois comme dans un miroir...

Mais ce miroir me flatte.

"Tu me flattes, Oreste,"

Pouchkine a dit tristement.

C’est une phrase tirée de l’histoire de K. Paustovsky sur Kiprensky. En termes de pensée, en termes de quantité d'informations - la même chose, mais un mot a été ingénieusement ajouté - « triste ». Et vous commencez à comprendre quel genre de personnes vivaient dans la première moitié du XIXe siècle. Le don de l'empathie, la capacité de s'impliquer, en harmonie, l'harmonie des relations spirituelles entre les personnes qui ont soutenu la Patrie... Jetez un œil à l'autoportrait de Kiprensky de 1828 - il semble être associé à celui de Pouchkine - il est si précis montre la proximité de leur vision du monde. "Ce portrait peut être qualifié de confession d'un artiste qui, avec des efforts intenses, tente de maintenir l'harmonie de son monde intérieur", a noté I. Kislyakova dans le livre "Orest Kiprensky". L'époque et les héros », nous pouvons malheureusement ajouter qu'Orest Kiprensky n'a jamais atteint cette harmonie. Lui, s'égratignant les coudes ensanglantés, s'est arraché du quotidien, a traversé le temps, tantôt bienveillant, tantôt impitoyable envers lui. Une chose est sûre : cela n'a pas été facile pour lui, malgré la facilité de son talent. Du point de vue de l’individu moyen, un créateur de mode est certainement heureux. Et le bonheur n’est pas du tout la même chose que le succès.

Et le succès s'est souvent détourné d'Orest Kiprensky. A Naples, après avoir rassemblé ses dernières forces, il écrira également un chef-d'œuvre - un portrait inhabituellement poétique de Golenishcheva-Kutuzova.

L’un des peintres les plus en vogue de la première moitié du siècle finit sa vie dans la pauvreté. Il ne gagnait pas d’argent et ses œuvres ultérieures se vendaient mal. Les factures du Souverain, qui a acheté son tableau, étaient en retard, son mécène D.N. Sheremetev était négligent dans les paiements, il n'y avait pas d'argent...

Cependant, le paradoxe d'un génie qui n'a pas eu le temps, qui n'a pas pu se réaliser pleinement, c'est que même lorsque l'argent arrive, l'amertume demeure.

Le portrait de Piotr Andreevich Vyazemsky est une sorte de point dans la biographie créative du maître. Pas sa vie, car il lui restait encore deux ans à vivre, mais sa biographie créative. En comparant les dates, il est facile de vérifier que le portrait a été réalisé cinq jours après la mort de Pashenka, qui a été amené par Viazemsky dans le climat chaud italien pour y être soigné. Le traitement n'a pas aidé. La fille est morte. Homme doté d'une excellente organisation spirituelle, Viazemsky souffrit cruellement. Dépression due au chagrin, sentiment d'absurdité de la vie (« les jeunes partent, les vieux restent »), perspective de perte de la vie - tout est face à Viazemsky dans le portrait de Kiprensky. Le poète a bien compris et a profondément sympathisé avec son modèle.

À la fin de sa biographie créative brillamment commencée, il a lui-même éprouvé l'amertume du vide et la tristesse de l'absurdité de simplement vivre la vie. C'était le dernier portrait au crayon d'Orest Kiprensky que nous connaissions. Il décède le 10 octobre 1836, à l'âge de 49 ans. Sur une stèle près de l'église Saint-André de Rome sont gravés les mots : « En l'honneur et à la mémoire d'Oreste de Kiprensky, le plus célèbre des artistes russes... »

« Suivre les pensées d'un grand homme est la science la plus amusante », a écrit Pouchkine. Si nous gardons dans notre mémoire l’image d’un grand homme créée par un bon artiste, comme elle anime et approfondit la science la plus amusante ! Mais l'artiste est aussi passionné par la même science : il suit les pensées d'un grand homme, un pinceau à la main, capturant et explorant son image vivante. Dès le premier jour où nous commençons à vivre entourés des portraits de Pouchkine, dès nos premiers jours nous connaissons son apparence unique. Et les gens qui vivaient à la même époque que le poète répétaient, comme un serment, l'ode à la Liberté, A Chaadaev, les gens qui marchaient avec Pouchkine sous le même ciel, à travers la même ville, dans les mêmes rues, pouvaient rencontrer Pouchkine et passer par sans le reconnaître.

Le tout premier portrait, une œuvre miniature d'un artiste inconnu, représentant Pouchkine comme un enfant de trois, trois ans et demi, a été conservé par les descendants du célèbre médecin moscovite Matvey Yakovlevich le Sage, qui a soigné les Pouchkine lorsqu'ils étaient à Moscou. Ce portrait, réalisé par un artiste serf, selon la légende familiale, était un cadeau de la mère du poète N.O. La fille unique de Pouchkine, Mudrov - Sophia, Xavier de Maistre. "Pouchkine - enfant"

Pouchkine a passé six ans au lycée Tsarskoïe Selo, ouvert le 19 octobre 1811. Ici, le jeune poète a vécu les événements de la guerre patriotique de 1812. Ici, son don poétique a été découvert et très apprécié. Les souvenirs des années passées au Lycée, de la confrérie du Lycée, sont restés à jamais dans l’âme du poète.

En 1822, le poème Prisonnier du Caucase est publié pour la première fois. On y joint un portrait de l'auteur, gravé par le maître Yegor Geitman. Le dessin à partir duquel la gravure a été réalisée aurait été achevé avant l’exil de Pouchkine. L'un des touristes de l'époque a trouvé le portrait très similaire, mais Pouchkine lui-même - il était à Chisinau à cette époque - a à peine reçu des exemplaires du poème, il a répondu dans une lettre à Gnedich (appelant par erreur la gravure une lithographie) : A Pouchkine est magistralement lithographié, mais je ne sais pas, est-il semblable... - Non, il ne pense toujours pas qu'il soit très semblable. Si mon consentement est nécessaire, alors je ne suis pas d’accord », écrit-il. COMME. Portrait de Pouchkine par Geitman

Pouchkine n’aimait pas poser pour les artistes, évoquant en plaisantant la « honte d’Arap ». C'est pourquoi il existe si peu de portraits du poète réalisés d'après nature. Mais en 1827, deux de ces portraits sont apparus à la fois et tous deux sont devenus des classiques, entrant à juste titre dans l'histoire de l'inventaire des portraits russes et de la culture nationale comme les meilleures images de Pouchkine. L'un d'eux appartient au pinceau d'Orest Kiprensky et l'autre à Vasily Tropinin.

Au début de 1827, le poète commande son portrait à l'artiste moscovite V.A. Tropinine : « Jusqu’à récemment, on croyait que le client de l’œuvre de Tropinine était un ami du poète Sergueï Alexandrovitch Sobolevski. En partant à l’étranger, il désirait vraiment avoir un portrait de Pouchkine « tel qu’il est, en robe de chambre, échevelé, avec la précieuse bague mystique au pouce d’une main ». Mais cette version est incorrecte, puisque d'après une lettre de Sobolevsky lui-même à M.M. Dans Pogodin, publié seulement en 1952, il est évident que "Pouchkine lui-même a secrètement commandé le portrait de Tropinine et me l'a présenté comme une surprise avec diverses farces (cela lui a coûté 350 roubles)."

On sait que pour la première rencontre avec Pouchkine, l’artiste s’est rendu au début de 1827 dans la maison de Sobolevsky sur la place Sobachaya, où vivait alors le poète. Tropinin l'a trouvé dans son bureau, en train de jouer avec les chiots. C’est probablement à partir de ces premières impressions qu’un petit croquis a été rédigé. Il n’y avait aucune richesse de couleur, aucune sophistication du pinceau, aucun détail magistralement exécuté. Le principal avantage de cette petite chose préparatoire était la spontanéité et la vivacité de la perception du modèle, une confiance amicale, qui excluait le pathétique romantique habituel. Mais l’idée de la grandeur du poète s’exprimait dans un rapide dessin au crayon, qui soulignait la position fière de sa tête, encadrée par le col ouvert de sa chemise.

Tropinin V.A. Portrait d'A.S. Pouchkine. Croquis du Musée All-Union d'A.S. Pouchkine

La version finale du portrait pictural combine avec succès la sublimité de l'idée trouvée dans l'esquisse graphique avec la sensation vivante de la nature capturée dans l'esquisse. La silhouette du poète est tournée vers le spectateur, son visage calme et concentré est présenté légèrement tourné de trois quarts. La main, ornée de l'anneau « mystique » préféré, est posée sur les feuilles du manuscrit. Les vêtements de maison du poète, contrairement aux attentes, ne créent pas une atmosphère de confiance entre le modèle et le spectateur. La robe dans ce cas n’est pas un « camarade de bonheur oiseux », mais le vêtement ample d’une personne libre. Contrairement aux autres portraits moscovites de Tropinine, qui appartiennent au « genre négligent », la simplicité extérieure du portrait de Pouchkine est évidente. L'artiste ne cherche pas tant à créer une atmosphère domestique qu'à souligner l'importance de la vie privée, qui s'est accrue à l'ère du romantisme. Il le contraste de manière démonstrative avec la rigidité officielle de l'uniforme.

A.P. Élagine. "Portrait de Pouchkine" Tropinin V.A. Portrait d'A.S. Musée de l'Union Pouchkine de A.S. Pouchkine

En 1827, presque simultanément avec Tropinine, O. Kiprensky peint un magnifique portrait de Pouchkine, commandé par l'ami du poète A. A. Delvig. C'est sans aucun doute l'une des œuvres les plus significatives de Kiprensky. Il respire le génie, l’envolée de la pensée poétique et l’illumination de l’inspiration. Le poète lui-même accueillit avec satisfaction cette incarnation en peinture et salua l'artiste avec un message poétique. Pour souligner le thème de la créativité, Delvig a demandé au maître d'ajouter au tableau une figure en bronze représentant une muse. Au fond du portrait, Kiprensky a placé un support et dessus une figurine en bronze de la muse de la poésie lyrique Erato, qui avait généralement une cithare ou une lyre comme attribut.

« Le visage du poète est doucement mis en valeur par la lumière. Il représente délicatement les traits caractéristiques arabes : narines larges, grandes lèvres légèrement saillantes. Des cheveux châtain foncé bouclés encadrent un front haut. L'apparence de Pouchkine se distingue par une simplicité sobre, mais il y a aussi une grâce fragile particulière et une sorte d'élégance exotique » (Golovina L. Deux portraits de manuels // Jeune artiste) L'image est remplie d'une dynamique interne, qui s'exprime par un pose énergique « napoléonienne » avec les bras croisés sur la poitrine. Une cape écossaise avec une doublure éco-saise à carreaux (tissu écossais à gros carreaux) est efficacement jetée sur l'épaule. Ce détail rehausse le son romantique sublime de l'ensemble de la composition, évoquant des associations avec la poésie de George Byron et le héros de son poème, Childe Harold. Certaines critiques critiques de l'œuvre de Kiprensky ont été noyées dans un concert d'éloges enthousiastes. Il est curieux que les contemporains aient reconnu Pouchkine précisément à ce portrait, présenté pour la première fois au public lors d'une exposition à Saint-Pétersbourg le 1er septembre 1827. Plus tard, le portrait de Pouchkine servit de modèle à de nombreux artistes et sculpteurs pour recréer l’apparence du poète.

C'est à dire Vivien. "Portrait de Pouchkine" Papier, crayon italien, badigeon.

B.M. Koustodiev. "Portrait d'A.S. Pouchkine" M. Gippius. Lithographie "Portrait de Pouchkine". T. Wright. "Portrait de Pouchkine" Gravure sur acier. PI. Chelishchev. "Pouchkine et le comte D.I. Khvostov." Début 1830. Artiste inconnu. "Portrait de Pouchkine". 1831 ? G.

En 1938, I.S. Zilberstein a écrit : Une image de Pouchkine reste encore presque un mystère complet : il s'agit de son portrait par I.L. Lineva. Ni l'histoire de sa création, ni l'époque de sa rédaction, ni son origine ne nous sont encore essentiellement inconnues, tout comme nous ne savons rien de son auteur. Et aucun des chercheurs modernes de l’iconographie de Pouchkine n’a rien ajouté à ce qu’ils ont rapporté pour la première fois à propos de ce portrait il y a exactement 50 ans. S. Librovich, qui l'a étudié pour la première fois. Qui est cet artiste qui a non seulement compris le drame de Pouchkine, mais qui a aussi clairement sympathisé avec lui et a réussi à transmettre la tragédie du poète à ses descendants ? Le dernier portrait de A.S. Pouchkine par l'artiste I.L. Linev, 1836.

ŒUVRE DE I. AIVAZOVSKY Lors d'une des expositions à Saint-Pétersbourg (1836), deux artistes se sont rencontrés - un artiste à la plume et un artiste au pinceau. La connaissance de Pouchkine a fait une impression indélébile sur le jeune Aivazovsky. "Depuis lors, mon poète déjà bien-aimé est devenu le sujet de mes pensées, de mon inspiration et de mes longues conversations et histoires à son sujet", a rappelé l'artiste. Aivazovsky a admiré toute sa vie le talent du plus grand poète russe, lui consacrant toute une série de tableaux. Il y combine la poésie de la mer avec l'image d'un poète. En 1887, Aivazovsky travaillait sur le tableau "Les adieux à la mer de Pouchkine". ("Adieu les éléments libres..."). a invité Repin à peindre le poète, car il connaissait sa faiblesse dans le portrait. Plus tard, c'est-à-dire Repin a parlé du travail commun comme suit : « La Mer Merveilleuse a été peinte par Aivazovsky (...) Et j'ai eu l'honneur d'y peindre une figure